“No existen tierras extrañas. Es el viajero el único que es extraño"

ROBERT LOUIS STEVENSON

FICHA TECNICA: Dirección: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.. Doblaje original: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche). Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi. Producción: Marc-Antoine Robert y Xavier Rigault. Música: Olivier Bernet. Montaje: Stéphane Roche.Diseño de producción: Marisa Musy. País: Francia. Año: 2007. Duración: 95 min Calificación IMDB: 8.1 / 10

PLOT: Teherán (1980-1988) : Revolución Islámica, guerra con Irak, Marjane nos cuenta su infancia en medio del conflicto.

COMENTARIO: Semestralmente y de forma un tanto arbitraria, espacios de apreciación audiovisual, hoy tan en boga bordeando la decadencia, dedican atención a aquello que membretean en sus ciclos como "Cine del mundo", un puñado de títulos exuberantes que comparten como rasgo característico derivar de las llamadas cinematografías emergentes, séptimo arte de otras latitudes que por algunos momentos contribuye a lograr una familiaridad con lenguajes y elementos de la dimensión prosaica de otras culturas, bien próximas bien distantes a la vida cotidiana del espectador, aunque por otros no se trate más que de un subproducto adecuado a los estandartes de un consumo masivo impuesto por la tradición de Hollywood. Semestralmente y de forma un tanto arbitraria, espacios de apreciación audiovisual, hoy tan en boga bordeando la decadencia, dedican atención a aquello que membretean en sus ciclos como "Cine de Animación", películas donde los personajes de carne y hueso y los escenarios son reemplazados por vectores escupidos por un ordenador, por dibujos a mano o por personajes pro-creados de las formas más inverosímiles posibles , largometrajes en los que no siempre la técnica esta al servicio de la historia o en los que el guión es tan pobre que desmerecen tantos años de producción, de clickeo y de edición. Semestralmente y de forma un tanto arbitraria espacios de apreciación audiovisual, hoy tan en boga bordeando la decadencia, dedican atención a aquello que membretean en sus ciclos como "Cine y Comic" cintas que toman su inspiración y en algunos casos la forma de manifestaciones culturales como la historieta, la viñeta y la sobrevalorada novela grafica, el resultado es por anticipado en la mayoría de los casos , lamentable; valen, no obstante, las excepciones, si se considera por ejemplo que géneros como el Western, el Giallo , el o el film noir toman como referente y temática recursos extraídos del folletín o la literatura de cordel , pero esa es otra discusión.

Persepolis debe su naturaleza a todas los maneras anteriormente relacionadas y sin embargo no se agota en ninguna de ellas,. La tristeza y particular belleza que emana de cada una de sus imágenes se soporta en recursos como la animación 2-D ( Los autores reconocen además la influencia del expresionismo alemán y de la obra de Edgar Munch), a historia de Marjane Satrapi se despliega en un contexto geopolítico distante y el argumento proviene, precisamente, de una novela gráfica. Escapando a estos posibles estereotipos nos encontramos con un maravilloso ejercicio fílmico en el que las partes sirven a un todo, a saber un drama sobre la tiranía, la emancipación, la incertidumbre y la búsqueda de si mismo. Persepolis merece un visionado como relato bélico filtrado por el conflicto pesimista de su protagonista, un mortal cualquiera que busca ingenuamente un lugar en medio del ruido. Las lecturas maniqueas , etiquetadas , reduccionistas o comparadas que se pudieran hacer sobre la misma sobran cuando lo que aquí se nos cuenta es una disyuntiva humana que no sabe de fronteras ni formatos. Semestralmente , con mucho esfuerzo y paciencia y claro, de forma un tanto arbitraria, ponemos a consideración una serie de películas disímiles que se sustentan en un mismo problema: A dónde Irán a parar nuestras aspiraciones, empeños, y planes en un mundo tan convulso como el que nos toco?

TEXTO: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

And treat those two impostors just the same;If you can bear to hear the truth you've spoken Twisted by knaves to make a trap for fools,Or watch the things you gave your life to, broken,And stoop and build 'em up with worn-out tools:If you can make one heap of all your winning, And risk it all on one turn of pitch-and-toss, And lose, and start again at your beginnings, And never breath a word about your loss; If you can force your heart and nerve and sinew, To serve your turn long after they are gone, And so hold on when there is nothing in you Except the Will which says to them: "Hold on!"

RUDYARD KIPLING

"El tesoro de Sierra Madre" es al mismo tiempo la historia de una venganza, la crónica de una aventura en busca de una quimera llamada oro y un paseo por conceptos atrofiados por desuso como el honor y la dignidad. El choque de dos enormes actores como lo fueron Walter Huston y Humphrey Bogart arroja como balance momentos de cine que jamás han vuelto a repetirse con tanta intensidad y fuerza ante una pantalla. Como se sabe, con esta película se produjo el insólito hecho de que padre e hijo fueran premiados con un Oscar el mismo año y por la misma película. Walter Huston obtuvo la estatuilla a la mejor interpretación de reparto, mientras que John Huston fue premiado con el galardón a la mejor dirección.

Con esta magistral película de Huston sobre la ambición y la avaricia del ser humano, Humphrey Bogart se quitó de encima el tipo de personaje que tan brillantemente construyó en títulos como “Casablanca”. En su estreno, el público dio la espalda a la película en la taquilla, pero con el paso del tiempo ha terminado por convertirse en un clásico inmortal del cine.

FICHA TECNICA: Título Original: Fantastic Voyage Director: Richard Fleischer / Productor: Saul David para 20^th Century Fox / Guión: Harry Kleiner según la adaptación de David Duncan del relato de Jerome Bixby, Otto Klement / Fotografía:Música: Leonard Rosenman / Montaje: William B. Murphy / Efectos especiales: L. B. Abbott, Art Cruickshank, Emil Kosa Jr., Marcel Delgado / Intérpretes: Stephen Boyd (Grant), Raquel Welch (Cora Peterson), Edmond O'Brien (general Carter), Donald Pleasence (doctor Michaels), Arthur O'Connell (coronel Donald Reid), William Redfield (capitán Bill Owens), Arthur Kennedy (doctor Peter Duval), Jean De Val, Barry Coe, Ken Scott, Shelby Grant, James Brolin, Brendan Fitzgerald, Brendan Boone / Nacionalidad y año: USA 1966 / Duración y datos técnicos: 96 min. color 2.35:1. Calificación IMDB: 6.8 /10 Ernest Laszlo /

PLOT: El agente secreto Charles Grant colabora en la deserción del científico Jan Benes a Occidente. Pero un atentado termina por poner en serio peligro a la vida de Benes, que permanece en coma. Grant es llamado a una base militar donde Benes permanece internado, y el General Carter le presenta el CMDF (Fuerzas de Defensa Combinada Miniaturizada), un proyecto ultra secreto.

COMENTARIO: Desde que en 1957 la extinta Unión Soviética pusiese en órbita el Sputnik, primer satélite lanzado al espacio, la tensión entre los bloques se dobló hacia otro cauce: el de la carrera espacial. En medio de la Guerra fría, ámbito ideal para el crecimiento ( para el caso re-surgimiento) de la ciencia ficción en el cine, apareció esta aventura exploratoria hacia el interior del cuerpo humano dirigida por Richard Fleischer. Un proyecto ideado como anillo al dedo para un realizador que se destacó en el género, otorgándole al mismo, la cuota de aventura necesaria para hacer vibrar al espectador. El concepto es sencillamente fascinante, la premisa es tan absorbente que no resulta necesario dar rodeos en perfiles dramáticos para los personajes. Se trata de una idea analizada en todas sus posibilidades, idea en la cual los actores cumplen una función mayoritariamente interlocutora entre el espectador y las premisas “científicas” que dispara el guionista . El punto fuerte de Microscopia radica en ofrecernos una lección de anatomía narrada empleando al Cinemascope y a otras hermosas técnicas visuales del momento, su propósito entonces es, no cabe duda, maravillar .

En aquella década, la Humanidad dirigió su miradas al cielo, temiendo el amenazador relámpago de la bomba H, a tiempo que esperó fascinada la inminente llegada del hombre a la luna: era sólo cuestión de tiempo para que ocurriese alguna de las dos cosas, ya ocurrió la primera y seguimos pendientes de la segunda, nuestros miedos son mas o menos los mismos, esta es una razón suficiente para que títulos de esta temática y naturaleza no se agoten; la magia y el efecto que logren en la retina las coloridas imágenes de este viaje interior dependen de las inesperadas alteraciones de nuestro organismo y de la parte de ingenuidad que le permitamos. La de esta noche es una cinta que demanda poner el switch del cerebro en off , tal parece que esa es la única manera para que el Proteus pueda ingresar e iniciar su labor exploratoria.

«¿No observáis que somos nacidos para formar la angelical mariposa que dirige su vuelo sin impedimento hacia la justicia de Dios? ¿Por qué se engríe soberbio vuestro ánimo, cuando solo sois defectuosos insectos, como crisálidas que no llegan a desarrollarse?

DANTE, La divina comedia

(Purgatorio, canto IX)

FICHA TECNICA: Dirección Luis Buñuel Producción Serge SibermanGuión Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière Reparto Paul FrankeurLaurent Terzieff, Alain Cuny, Jean-Claude Carrière, Edith Scob Michel Piccoli País(es) Francia –Italia Año 1969 Duración 95 minutos Productora Greenwich Films Production (Francia) y Fraisa (Italia) Calificación IMDB: 7.7 /10

PLOT: Dos peregrinos, Pierre y Jean, caminan el viaje a Santiago de Compostela. En su recorrido encuentran personajes y situaciones de épocas distintas y recorren herejías que conciernen a seis dogmas del catolicismo.

COMENTARIO: En el primer tomo de los Escolios a un texto implícito, del pensador colombiano Nicolás Gómez Dávila, un aforismo reza: “El occidente habrá muerto, cuando muera la presencia de Grecia en un alma cristiana”. De manera que, por ahora, no vale rechazar una doctrina tan trascendental como el Cristianismo –aunque no se confunda la pureza del pensamiento con la institucionalidad que lo malogra-, porque cada uno de nosotros, los de este lado del mundo, posee hasta en sus más íntimas fibras una conducta inevitablemente ligada a esta religión. Pero, si de cualquier forma lo molesta o fastidia este tipo de inquisiciones, le pedimos que sea tolerante con la propuesta del director de cine invitado para hoy, Don Luís Buñuel, y que trate de asimilar la mirada sui generis del fabuloso e irreverente director español, aderezada con su deliciosa impronta surrealista, de uno de los fenómenos más complejos en la cultura humana, La Religión, en plena época contemporánea; la misma que ejercita un arte que funciona a través de la imagen en movimiento.

Le rogamos que no caiga en fáciles ignorancias que podrían dar cuenta a todas luces del nivel intelectual que no ha logrado desplegar, e impedir que las puertas de la percepción estén limpias, para vislumbrar la infinitud que resguarda cada cosa en el universo. Miguel de Unamuno dice que lo que no es religioso, carece de interés. No prejuzgue. No sentencie (Ojo con la dantesca cita). Nuestra endeble, transitoria y pueril condición sólo puede asistir a esos pedazos de absoluto en que llegan a convertirse las verdaderas muestras de arte. En este momento le ofrecemos una: La Vía Láctea, de Buñuel, para peregrinar beatificados por el Camino de Santiago. Entérese de que por esta vía penetraron a España las Ideas, las Ciencias y las Artes de Europa, a partir del siglo XI, ERA CRISTIANA, y a su vez, el país ibérico se dio a conocer al resto del mencionado continente.

¿Se necesitan más apologías para entender la validez de los argumentos que componen esta película?

TEXTO LEONARDO A. MORA PEDREROS

«Pero yo os digo que vosotros me habéis visto y no me creéis»

JUAN, VI, 36

FICHA TECNICA: Director: William Friedkin / Guión: William Peter Blatty, basado en la novela homónima / Producción: William Peter Blatty para Warner Bros. Marshall Música: vv.aa. / Fotografía: Owen Roizman & Billy Williams III (secuencias en Irak) / Montaje: Norman Gay, Evan A. Lottman & Bud S. Smith (secuencias en Irak) / Diseño de Producción: Bill Malley / Decorados: Jerry Wunderlich / Vestuario: Joseph Fretwell / Maquillaje: William A. Farley & Dick Smith / Intérpretes: Linda Blair (Regan MacNeil), Max Von Sydow (padre Merrin), Ellen Burstyn (Chris MacNeil), Jason Miller (padre Damien Karras), Lee J. Cobb (teniente Kinderman), Kitty Winn (Sharon Spencer), Jack MacGowran (Burke Dennings), Mercedes Cambridge (Pazuzu [sólo voz]), William Peter Blatty (productor [no acreditado]), reverendo William O'Malley, Barton Heyman, Peter Masterson, Rudolf Schunder... / Nacionalidad y Año: USA 1973/2000 (director's cut) / Duración y Datos Técnicos: 116/132 min. color scope. Calificación IMDB: 8.0 /10

PLOT: Basada en un caso real, Regan MacNeil es una niña de doce años que vive con su madre y que se siente mal; sufre extraños síntomas que su madre achaca a algún tipo de enfermedad.

COMENTARIO: El modo desatinado como se suele reducir a esta película como una mas de entretenimiento burdo, efectismo visual y gritos gratuitos estriba en la lectura reduccionista que aquellos espectadores más nuevos del genero horror -terror hacen de la cinta; es probable que a dicha generación le quede difícil aproximarse al verdadero sentido de un filme de culto, ya clásico como este, habiendo consumido previamente toda una serie de sub-productos lamentables provenientes de la misma: secuelas, pre-cuelas, re-makes y demás adaptaciones empujadas por el espíritu aficionado de directores igual de ingenuos cuyo trabajo de ordenador y humor pueril termina demeritando la calidad del cuadro original ( me refiero a títulos tan detestables como El Exorcismo de Emily Rose, El Exorcista II, III y IV ½ y a las menos rigurosas aunque más interesantes parodias como Scary Movie ).

El Exorcista de William Friedkin de 1973 ( y esta revisión del año 2000 que incluye más metraje, reordenamiento de algunos aspectos de la historia, no censura y una excelente remasterización sonora) fue una película impactante en su momento y a 25 años de su estreno lo sigue siendo, y no precisamente por una posesión demoniaca perse, ni por la puesta en escena de la lucha eterna entre el bien y el mal , mucho menos por lo macabro, sangriento o explicito de sus imágenes, la suma de estos elementos en el filme no supera 25 minutos, su importancia radica en la magnifica forma como esta construida, en la manera como a un drama cotidiano se le pueden insertar elementos extraños que escapan a todo tipo de entendimiento . Friedkin adapta la novela de William Peter Blatty aplicando en ello una fotografía rica en colores fríos, una música excepcional que opera a manera de contrapunto con la acción ( y que incluye nombres tan significativos y vanguardistas como Anton Webern, Hans Werner Henze, George Crumb , Krzysztof Penderecki o más recientes como Mike Oldfield o Lalo Schifrin) y una serie de sucesos cuyo clima agobiante termina imprimiendo en el espectador una perturbación de la mente experimentada como fisura del alma, como un completo desarme.

El principio de incertidumbre, la necesidad de una causa prima, la explicación racional a aquel espectro que nos pareció ver antes de encender la luz, las razones por las pasé tan espantosa noche, ese es el objeto de un largometraje como El Exorcista.

Existen en este mundo más cosas que aquellas que podemos señalar y nombrar, cosas que escapan a nuestros elaborados sistemas clasificatorios, inventados apenas para tratar de aprehender el mundo que nos toco vivir, cosas que no caben en la valoración del medico, ni en el diagnostico del siquiatra ni en las sospechas de la Ley. Nominada a diez premios de la Academia ( en los días en los que la academia no se dedicaba a pagar favores) y sólo comparable con obras de igual factura como El bebe de Rosemary- Roman Polansky -1968 y La Profecía – Richard Donner- 1976 , con ustedes, El Exorcista, cuando Belcebú nos tome de la mano, y nos lleve por un viaje sin movernos de nuestra propia cama (de la silla, para el caso) habremos comprendido que no se trata simplemente de otra película de miedo.

VIAJE KAFKIANO

"En un mundo cuyas estructuras de poder y sometimiento están basadas precisamente en el hecho de la culpabilidad generalizada, ¿por qué alguien va a ser inocente?"

FICHA TECNICA: Titulo Original: Le Procés Dirección : Orson Welles Productor: Alexandre y Michel Salkind y Yves Laplanche. Producción: Mercury Production para Paris Europa Productions, Hisa Films Munich, Fi-C-It Roma. Guión: Orson Welles según la novela El proceso de Franz Kafka. Fotografía: Edmond Richard. Música: Jean Ledrut. Dirección artística: Jean Mandaroux. Montaje:Duración: 120 minutos. Interpretes: Anthony Perkins (Joseph K), Jeanne Moreau (Mlle Burnster), Elsa Martinelli (Hilda), Romy Schneider (Leni), Suzanne Flon (Miss Pittl), Madeleine Robinson (Mme Grubach), Orson Welles (abogado Hastler), Akim Tamiroff (Bloch), Arnaldo Foá (inspector), Fernand Ledoux (vedel de la corte), Maurice Teynac (subdirector), Billy Kearns (primer subinspector), Jess Hahn (segundo subinspector), Raoul Delfosse (primer verdugo), Katina Paxinou (adivina), Wolfgang Reichman (ujier), Thomas Holtzmann (Bert). País:Francia/Italia/Alemania Duración: 117 minutos. Calificación IMDB: 7.8 /10

PLOT: Un hombre se despierta por la mañana. la policía está en su habitación, es arrestado y acusado de un crimen.

COMENTARIO:Entre archivadores, formatos y demás documentos de uso oficial pasó Franz Kafka los mejores años de su vida, el implacable rigen de un día a día donde la guerra por la existencia estaba por completo perdida sirvió al escritor checo para concebir sendas obras de la literatura del siglo XX, retratos perfectos de un hombre y de su tiempo.

Su novela El Proceso en manos de un director como Orson Welles se convierte en una brillante explosión de imágenes con un enorme poder de perturbación, el estadounidense logró extraer el espíritu extenuante del libro, imprimiéndole un personalísimo estilo,- característico ya en su primera y más importante película Citizen kane, 1941- Welles construye para ello un escenario desquiciante repleto de arquitecturas imponentes, unos personajes que recitan diálogos incongruentes y una permanente sensación en la que al espectador se le hace participe de la pesadilla.

La historia que se nos cuenta es la de Joseph K., un individuo cualquiera arrojado a un destino absurdo en el que las preguntas que demandan explicación sobran… puede tratarse acaso del periplo caótico que un orden de cosas ( al que algunos llaman sistema) tiene reservado para alguno de los aquí presentes, nadie está exento de correr con la misma suerte como nadie de que se le abra un proceso; mientras en un país como el nuestro cientos de instituciones reciben con beneplácito sus certificaciones en sistemas en gestión de la calidad, mientras la mayoría de ciudadanos de bien clama y aprueba la implementación de legislaciones y penas más “justas”, nosotros le invitamos a seguirle los pasos al señor K. en su viaje surrealista. Siéntese, sumérjase en la película, cuestiónese y sólo entonces espere su llamado a rendir indagatoria.

UN VIDEO-CLÍP: NINE INCH NAILS : WE ARE IN THIS TOGHETER / Dir. MARC PELLINGTON 1999

Del disco más notable de Nine Inch Nails, The Fragile, un video agobiante, estamos en esto juntos: Todo lo que fuimos se ha ido, tenemos que resistir, todo lo que fuimos se ha ido, tenemos que resistir, cuando toda nuestra esperanza se haya ido tenemos que resistir todo lo que fuimos se ha ido pero podemos resistir… sencillamente Kafkiano. CLICK EN LA FOTO PARA VER VIDEO

UN DISCO: TOMASO ALBINONI / ABINONI’S ADAGIOS—ERATO RECORDS –1999

El «Adagio de Albinoni» está basado en un fragmento de un manuscrito hallado tras la 2a Guerra Mundial por el musicólogo italiano Remo Giazotto, que estaba completando la biografía y el listado de las obras del compositor Tomaso Albinoni.

Con las apenas 6 líneas de la melodía y la línea del bajo que quedaban en el manuscrito, Giazotto «reconstruyó» el Adagio, que era probablemente el movimiento lento de una Sonata a Trío, y añadió también un órgano por parecerle que la pieza estaba pensada para ser tocada en una iglesia. CLICK EN LA CARATULA PARA DESCARGAR, PARTE 2 POR AQUÍ

UNA PINTURA: THE OWNERS HISTORIC LESSON / DANIEL RICHTER / 2007

La pintura de Richter, llena de personajes e inspiradas a menudo en reproducciones de periódicos o de libros de historia, transmite con extraordinaria intensidad las amenazas a las que se ve sujeto el género humano.
Su obra, muy comprometida con la sociedad, muestra una extrema sensibilidad a los acontecimientos políticos y sociales contemporáneos. Uno de sus temas recurrentes es el fracaso de la utopía moderna, aunque también se suele referir (a veces de forma indirecta) a otros temas de actualidad, como la violencia y la inmigración. En su trabajo se observa una constante ambivalencia, provocando que sus cuadros sean considerados como una especie de puzzles que desafían la imaginación del visitante y su conocimiento sobre política. CLICK EN LA FOTO PARA AMPLIAR

OTRA PELÍCULA: THE WRONG MAN / ALFRED HITCHCOCK 1956

TEXTO Y SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

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"El latinoamericano es un autor invadido por los hechos de la vida circundante. Si quisiera quedarse en su torre de marfil lo arrancarían de nuestra tremenda realidad, realidad, nuestros problemas vitales.”

MIGUEL ANGEL ASTURIAS

FICHA TECNICA Dirección y producción: Sergio Cabrera Guión: Humberto Dorado, a partir de una historia de Sergio Cabrera y Ramón Jimeno Fotografía: Carlos Congote Música: Germán Arrieta Diseño de producción: Enrique Linero y Luis Alfonso Triana Montaje: Manuel Navia y Nicholas Wentworth Reparto: Frank Ramírez (Romero), Fausto Cabrera (Don Jacinto), Sain Castro (Justo), Ernesto Malbran (Lázaro), Víctor Mallarino (Doctor Holgun), Luis Fernando Munera (Gustavo Calle), Humberto Dorado (Victor Honorio Mosquera), Florina Lemaire (Gabriel / Gabriela), Gustavo Angarita (Fray Luis), Vicky Hernández (Doña Eulalia), Edgardo Román (Juez Díaz). Duración: 107 minutos. Calificación IMDB: 7.3 /10

COMENTARIO: Alfonso Reyes acuñó una frase acerca de la finalidad de los artífices de la estética, que resulta casi ineludible si de un contexto tan disímil y complejo con el colombiano se trata: “El artista debe ser el testigo insobornable de su tiempo”. El filme que presentaremos esta noche de viernes, del afamado director Sergio Cabrera, es una buena prueba de ello.

En una aciaga época de principio de milenio, cualquier persona que aún no ha regalado su voluntad al terrible sistema que, antes de regular y equilibrar nuestro entramado social, lo ayuda a pervertir y lejos está de solucionar las tenaces problemáticas que nos agobian, puede dar cuenta de la situación del país del Sagrado Corazón, la cual, no es, ni siquiera de lejos, la mejor que se pudiera desear. La Estrategia del Caracol nos regala una mirada eficaz de cierto sector de la sociedad, de condiciones paupérrimas, y su dura lucha contra la burocracia que representa, desde luego, la defensa de los intereses de una patética y decadente élite. ¿El arma secreta del combate? No es más que ese componente que en Colombia resulta ser todo un conjuro para sobrellevar la adversidad; quien no lo posea, que no se preocupe; las tenaces circunstancias de este pedazo de mundo se la regalará –Dios quiera- “a las buenas o a las malas”, como gustan decir las señoras de nuestro terruño: LA MALICIA INDÍGENA. Nuestro diablo también es cojuelo y a la vez que hace reír, su temeroso trato permite que siempre haya una salida del fango, por poco ortodoxa que resulte.

Señoras y señores espectadores: búrlense, lloren, griten con esta película, pero de que aquí se hace cine, se hace: por difícil que parezca creerlo, en Colombia todavía quedan personas que saben cómo son en realidad las vueltas que el artista tiene que hacer para manifestarse. ¡Que ruede el celuloide hijueputas!

TEXTO: LEONARDO A. MORA

El amor es el reconocimiento en la persona amada de ese don de vuelo que distingue a todas las criaturas humanas. El misterio de la condición humana reside en su libertad: es caída y es vuelo. Y en eso también reside la inmensa seducción que ejerce sobre nosotros el amor. No nos ofrece una vía de salvación; tampoco es una idolatría. Comienza con la admiración ante una persona, lo sigue el entusiasmo y culmina con la pasión que nos lleva a la dicha o al desastre. El amor es una prueba que a todos, a los felices y desgraciados, nos ennoblece.

OCTAVIO PAZ

FICHA TECNICA Dirección David Cronenberg , Producción Gabriela Martinelli Guión David Henry Hwang Fotografía Peter Suschitzky Música Howard Shore Reparto Jeremy Irons, John Lone, Barbara Sukowa, Ian Richardson País Estados Unidos Año 1993 Duración 101 minutos. Calificación IMDB: 6.7 /10

COMENTARIO: Comentaré en que consiste ese viaje al interior de las pasiones que en los siguientes 100 minutos tendrá lugar: Réne Gallimard es un diplomático francés recién llegado a China, un país en su momento sacudido por cambios socio-políticos y en el que el aire parece empujado por un espíritu revolucionario. Una tarde Réne asiste a una representación de una opera de Puccini; durante la ejecución conocerá a Song-Ling, una hermosa y enigmática cantante que supondrá el detonante del caos en toda esta historia. Cuando las miradas de Gallimard y Ling se crucen no habrá marcha atrás, dos seres, cualquiera, colisionaran sus complejos mundos y se embarcaran en la construcción de un universo donde los afectos, las emociones, los desencuentros y otros síntomas desencadenaran una extraña enfermedad que irá haciéndose con el paso del metraje más y más crónica.

Habrán momentos de tremenda debilidad vendrán también los de fortaleza, uno sufrirá más que el otro, expondrán desnuda el alma, y tratarán al máximo de disimularse las complicaciones. Los protagonistas de esta huida lo saben desde el principio, y aun, conscientes de semejante fragilidad, lo intentan; se dejan contaminar por eso que bien podrá otorgar algún sentido a su existencia, dibujan alrededor del otro un andamiaje cargado de sensaciones, de lugares y de buenos recuerdos.

Los comprendo; se nos ha enviado a este mundo tan solos, con tan poca información y con tan poco tiempo para asimilarla que no queda más remedio que refugiarnos en el seguridad de unos brazos, la novedad de una mirada, el sabor inconfundible de una boca y la cadencia de un tono de voz para intentar perpetuarse.

En el escenario de la vida vamos sin rumbo pidiéndole a alguien escogido del anonimato que por favor se disfrace, se maquille y actué como el personaje que queremos, uno que reúna el temperamento y los rasgos que hemos soñado, el mismo al que rogaremos por hacer carne aquello celestial e inalcanzable. Buscamos ideales en una masa informe de caras y caracteres fundamentados en lo impreciso, lo defectuoso y lo perecedero.

Las ciudades crecen y los individuos se pierden anónimos entre la caótica masa urbana. Todo sentido de humanidad parece escurrirse en las alcantarillas de aguas negras o en el boleto del metro extraviado en cualquier lugar. Hay una rutina mecanizada que aniquila al hombre y lo convierte en una simple pieza de la gran maquinaria que genera capital.

LEONARDO MORA

FICHA TECNICA Dirección , Producción, Música Y Guión Charles Chaplin Fotografía Ira H. Morgan, Roland Totheroh Reparto Charlie Chaplin, Paulette Goddard, HenryBergman, Stanley Sandford, Chester Conklin País Estados Unidos Año 1936 Duración 87 minutos. Calificación IMDB: 8.4 /10

PLOT: Charlot trabaja en una fábrica apretando tornillos en una cinta sin fin. Un día tiene un ataque nervioso producido “misteriosamente” por el estrés de su trabajo.

COMENTARIO:¿Qué se puede decir de una película que cuenta con más de 70 años de edad y de la que se ha dicho todo? Evidentemente, nada nuevo y sin embargo, aquí vamos: En 1935, hacía mucho tiempo que la época del cine mudo había quedado atrás (desde 1927). Sin embargo Chaplin se atrevió a realizar una película muda. En realidad, había preparado diálogos para cada escena, pero al final no los utilizó. Sólo grabó música y efectos sonoros .El séptimo arte avanzaba en un mundo convulsivo y caótico, final de la depresión iniciada con la caída de la Bolsa en 1929 , fascismo en plena expansión por Europa, doloroso y dramáticos procesos de degeneración del leninismo en la Unión Soviética, no obstante, se trataba de unos años en los que la izquierda intelectual estaba llena de fuerza, unos en los que su influencia se extendía por el mundo. En Tiempos Modernos, el creador sitúa a su personaje cara a cara con dicha realidad histórica, aunque no intenta un análisis revolucionario de la crisis propia de una sociedad sacudida por los avatares de un siglo tan disímil como el XX. Con su obra Chaplin se propone a su manera, siempre muy ingenua y por esto desprovista de lucidez, desarrollar el argumento del maquinismo (surgido de la concepción taylorista: uso máximo de las herramientas, supresión de cualquier gesto inútil, pensar poco o nada en lo que se hace, y cuya materialización clara se encuentra en la segunda revolución industrial de la que las innovaciones del fordismo, bla, bla, bla....) y sus efectos en el mundo obrero. Conduce su exposición en el terreno de la farsa hasta sus últimas consecuencias, sin dejar de tratar con respeto y decisión los temas de fondo de una realidad social que observa, consternado, con un agudo sentido romántico y trágico .

El filme parte, acaso de una idea abstracta; de un impulso para decir algo sobre la forma en que la vida es manipulada y canalizada, una en la que los humanos se transforman en máquinas... Ahí esta, una vez más, el gran Charlot (o habrá que decir, un obrero cualquiera) ejecutando su ballet sobre las turbinas, ahí , la canción incomprensible, ahí la belleza arrebatadora de Paulette Goddard, ahí los últimos esbozos de un cine que la misma maquina terminó absorbiendo, recorramos como si fuera la primera vez el camino lleno de engranajes que bien advirtió el gran Chaplin, Viajemos con él al interior de dicha Machiner .Lo que quedé por decir al respecto sobre estos Tiempos Modernos no dista mucho de lo que pudiésemos decir de los de ahora .

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLÍP: BJÖRK : ARMY OF ME / Dir. MICHEL GONDRY 1995

Army Of Me es un single lanzado en abril de 1995 por la cantante y compositora islandesa Björk. El mismo pertenece a Post, segundo álbum solista lanzado el mismo año.El video musical de esta canción fue dirigido por el reconocido director francés Michel Gondry Para esta ocasión, se basó en la combinación de imágenes proyectadas en pantalla, maquetas y animación computarizada. En el video la cantante aparece conduciendo un camión de grotescas dimensiones (relacionado con los dientes), entra a un dentista y termina el recorrido en un museo donde deja una bomba. El final de este video (la parte que muestra la explosión del museo) fue censurado en los Estados Unidos, hay que ver como reprimen las acciones que tienden a desbaratar a la máquina. CLICK EN LA IMAGEN PARA VER VIDEO

UN DISCO: DJANGO REINHARDTH: GUITAR GENIUS / EMI 1937

Un gitano francés que pierde la movilidad de dos dedos (de la mano izquierda!) en un incendio... Alguien creería que pasaría a la historia como uno de los mejores guitarristas de jazz de todos los tiempos? Relajen los oídos y déjense llevar por este genio y todo lo que su guitarra tiene para decir, sobre su tiempo, sobre este tiempo y sobre los venideros... CLICK EN LA CARÁTULA PARA DESCARGAR PARTE 1, LA PARTE 2 POR AQUÍ

UNA LECTURA: PIECE RATING SYSTEM / FREDERICK WINSLOW TAYLOR 1895

Frederick Winslow Taylor (1856-1915), fundador de la administración científica, nació en Filadelfia, Estados Unidos. Procedía de una familia de cuáqueros de principios rígidos; fue educado dentro de una mentalidad de disciplina, devoción al trabajo y al ahorro. En sus primeros estudios, tuvo contacto directo con los problemas sociales y empresariales derivados de la Revolución Industrial. Inició su vida profesional como obrero en 1878 en la Midvale Steel Co., pasando después a ser capataz, supervisor, jefe de taller, ya ingeniero, en 1885, después de formarse en el Stevens Institute.

En esa época estaba de moda el sistema de pago por pieza o por tarea. Los patronos buscaban ganar el máximo, a la hora de fijar el precio de la tarea, y los obreros, a su vez, reducían a un tercio el ritmo de producción de las máquinas, buscando equilibrar, de tal modo, el pago por pieza determinado por los primeros. Esto llevó a Taylor a estudiar el problema de la producción en sus mínimos detalles pues, gracias a su progreso en la compañía, no quería decepcionar a sus patronos ni decepcionar a sus compañeros de trabajo. Estos últimos esperaban que el entonces jefe de taller no los tratase duramente en la planeación del trabajo por pieza.

Se le llama "el padre de la administración científica, dedicó la mayor parte de los esfuerzos a estudiar y encontrar la mejor manera de ejecutar el trabajo a través de los estudios de los tiempos y movimientos y de la forma mas adecuada para remunerar a los trabajadores con el fin de incrementar la productividad.

…MAS SOBRE ESTE SUJETO HACIENDO CLICK EN LA FOTO

UNA PINTURA: SMALL DREAM IN RED / WASSILY KANDINSKY 1925

Kandinsky, artista ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno, crea este cuadro durante el periodo donde enseñó en la Bauhaus en Alemania. "Pequeño Sueño en Rojo" pertenece a sus cuadros privados, "más intimistas", ya que fue creado como un regalo para su mujer Nina Kandinsky. La pintura está compuesta por cálidas tonalidades marrones y formas de ligera asociación figurativa que resultan en uno de sus cuadros más vivaces e inspirados. Kandinsky es muy conocido por la aplicación constante de términos y formas musicales a la pintura ejemplo de ello está en sus Improvisaciones y Composiciones . CLICK EN LA IMAGEN PARA AMPLIAR

OTRA PELÍCULA: A NOUS LA LIBERTÉ / RENE CLAIR 1931

FICHA TECNICA : Título Alternativo: Buscando mi destino Dirección Dennis Hopper Producción Peter Fonda William Hayward Bert Schneider Guión Peter Fonda Dennis Hopper Terry Southern Musica Roger McGuinn Hoyt Axton Mars Bonfire (Steppenwolf) Bob Dylan Jimi Hendrix John Keene Robbie Robertson Fotografía László Kovács Reparto Peter Fonda Dennis Hopper Jack Nicholson Antonio Mendoza Phil Spector Mac Mashourian Warren Finnerty Tita Colorado Luke Askew Luana Andersl Sabrina Scharf País Estados Unidos Año 1969 Duración 94 minutos. Calificación IMDB: 7.3 /10

PLOT: Dos motoristas de Los Ángeles se embarcan en un viaje hacia Nueva Orleans, cruzando el país por carretera buscarán su propio destino e intentarán re-descubrir Norteamerica

COMENTARIO: Miércoles 6: Aquellos eran sin duda otros tiempos, las esperanzas que se cifraron sobre los movimientos de contracultura fueron de dimensiones considerables, los mismos asumían la libertad y el respeto a la diferencia, como derechos innegables e inalienables del individuo, hicieron creer al mundo quizás en un mejor mañana, pero inevitablemente todo lo solidó se desvanece en el aire. Este movimiento que se alzó en contra del establishment, entono himnos de libertad, reconoció la naturaleza como un medio y no un fin tras de cada bocanada (no es una posición purista), hizo que en el país de las libertades y los sueños se posaran los ojos del mundo y no es gratuito considerarlo relevante en la historia del siglo XX, los sesenta fueron una época de convulsiones en el mundo entero, marcaron generaciones pero a su vez perdieron muchas mas. El sistema del cual fueron acérrimos críticos poco a poco los fue devorando, adsorbiendo y mimetizando como una moda mas que al final de la década tendería a desaparecer, sin mas en la sociedad de consumo, las camisetas de colores y los collares de colores se volvieron una novedad. Estimados: Creo que estoy hablando claro. Esto no es un paso atrás ni pisar mi otro pie. No, esto se trata de más. Muchos pensaran que soy un maníatico drogadicto o un maldito copión al cual se le terminaron ya los minutos de fama. No, no es así. ¿Para qué servir a esta bella comundad de inescrupulosos que no tienen nada mejor en sus vidas para fijarse en esta? Yo ya cumplí mi parte. Viví en los peores hoyos de la deformación humana durante algunos años. Cometí algunos errores (más de alguno los llamará crímenes), que fueron parte importante de mis llagas que aún no cicatrizaban. La verdad es que no me pueden pedir más. Quiero descansar. Quiero que el humo de mi cigarro deje de molestarme en los ojos para no encenderlo más. Quiero pensar que todo esto de alguna manera valió la pena. No es por nada pero mi vida es una puta mierda. Así de simple. En el sub-mundo de mis amigas drogas fui un ganador. El de los muertos Vivos realmente no lo entiendo. No entiendo la forma cómo se hacen las cosas que para bien o para mal, siempre te terminan jodiendo. Yo tomé el camino difícil. Ese en el cual las reglas no importan porque realmente no existen. ¿Qué pueden esperar de mí?. Casi la mitad de mi vida la pasé tras las rejas, vi como mis colegas vendían sus culos por un par de doláres, como los cuerpos mutilados rodeaban las calles de Camboya y las mujeres se tiraban encima por un par monedas. Eso es lo que vi y escribí. Lo único que trate fue de retratar esa realidad con la sangre de mis venas, con las pocas neuronas que no tenía atrofiadas para ver si alguien reaccionaba. Pero fallé. No aguanto más. No quiero que me recuerden como un maldito copión de Hemingway por volarme los sesos o me comparen con el beodo de Bukowsky. No, yo soy Mr. Gonzo. Lo siento los tengo que dejar. No les pido que me recuerden. Pero alguna vez enciendan un cigarrillo por mí y piensen como lo hice yo.

Sin mirar atrás....

Tengo que descansar.....

Respirar profundo....Cerrar los ojos...

HUNTER S. THOMPSON

EL VIAJE DE PERSEO

"¿Y si el valor y la imaginación se vuelven cualidades de los mortales? Ya no nos necesitarían. Pero por ahora, hay suficiente cobardía, pereza...y mendacidad en la Tierra como para que duren para siempre."

FICHA TECNICA :Dirección Desmond Davis Producción Ray Harryhausen Charles H. Schneer Guión Beverley Cross Música Laurence Rosenthal Fotografía Ted Moore Reparto Laurence Olivier Harry Hamlin Maggie Smith (Tetis) Ursula Andress Claire Bloom Flora Robson Burgess Meredith País Estados Unidos Año 1981 Duración 118 minutos Clasificación IMDB: 6.7 /10

PLOT: Perseo y su madre, Dánae, son encerrados en un cofre y arrojados al mar. Arrastrados por la corriente llegan a la isla de Sérifos, lugar en el que Perseo alcanzará la madurez y tendrá que asumir su destino.

COMENTARIO: Dioses olímpicos, monstruos mitológicos y héroes mortales pueblan este hermoso espectáculo; que importan los precarios efectos especiales, que importa la falta de rigurosidad de la historia, Furia de Titanes, significó un paso hacia atrás en el avance tecnológico de la cinematografía en su momento ( y ahora, qué podría decirse?), obviamente también fue un fracaso en critica y en taquilla. En días en los que se abusa del efectismo con títulos tan mediocres como Star Wars: The Clone Wars (2008) proyectar una película como ésta significa arriesgarse por una travesía que pretende encontrar seres humanos a los que un cine hecho con delicadeza y de una manera prácticamente artesanal aún inquieta, me refiero a un cine fantásticamente nostálgico, a un cine que se quedó y quedará instalado en la memoria de los más pequeños que son, generalmente, los dueños de la imaginación más grande. NOCTURAMA presenta: El viaje de Perseo; proyectar aquello que a nadie le interesa proyectar, ese bien podría ser nuestro destino manifiesto.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLIP: CREED: BULLETS / Dir. NO ACREDITADA 2001

Poco se sabe de la suerte de este grupo, fueron la sensación promediando el final del siglo pasado, su sonido a medio camino entre Pearl Jam Y Alice In Chains se quedo estacionado en el que bien podría ser su mejor disco: My Own Prison, lo demás fueron contratos discográficos multimillonarios, poses de carisma por parte del care-guayo del cantante y un par de discos más bien mediocres, rescatamos el carácter épico de esta animación que sirvió para promocionar el segundo sencillo de ese disco detestable que es Weathered. CLICK EN LA FOTO PARA VER VIDEO

UN DISCO: !!! / MYTH TAKES / WARP RECORDS 2007
El nombre de !!! destaca por su originalidad pero tiene el inconveniente de su pronunciación. Según indica el grupo éste debe ser pronunciado como tres sílabas (preferiblemente onomatopeyas) iguales, como por ejemplo da da da, puf puf puf o clas clas clas. La pronunciación más popular del nombre por el momento es la de chk chk chk. Eso sí, el grupo no permite que les llamen "Tres Signos de Exclamación". El nombre está tomado de los subtítulos de la película "Los dioses deben estar locos", comedia de los 80 sobre el pueblo bosquimano, su música deambula entre el Dance, el Punk y por supuesto el Krautk-rock, que curioso que Chk Chk Chk no hayan versionado a Can; aquí su tercera y más reciente entrega.

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UNA LECTURA: LOS MITOS GRIEGOS / ROBERT GRAVES 1955
Apasionado por el mundo clásico, Robert Graves publicó en 1955 esta recreación narrada de los mitos griegos, que se ha convertido con el paso de los años en una obra de referencia ineludible para iniciarse en el fascinante mundo de la antigüedad. La erudición y la magistral prosa de Graves combinadas dan como resultado una deslumbrante inmersión en los avatares de los héroes y los dioses, a través de una sucesión de mitos que siguen hoy iluminándonos sobre temas eternos como las pasiones, el odio, los celos, la culpa, la ambición, la codicia, el miedo, la traición, los deseos inconfesables...Forjadores de un universo simbólico que ha marcado el imaginario de Occidente a lo largo de la historia, por estas páginas desfilan Zeus, Narciso, Afrodita, Hermes, Atenea, Orestes, las Parcas, Apolo, Poseidón, Dionisio, Perseo, Sísifo, Midas, Teseo, Edipo, Penélope, Heracles...Un delicioso paseo por el mundo de los mitos griegos. Un clásico imprescindible en cualquier biblioteca. (Esto es lo que dice en la parte de atrás del libro) CLICK EN LA PORTADA PARA DESCARGAR

UNA PINTURA : TÊTE DE MÉDUSE / PETER PAUL RUBENS 1618

Alto y de noble porte, tenía las facciones regulares, las mejillas rosadas, el cabello castaño y en los ojos el brillo de una pasión contenida. Su compañía era seductora, su temperamento afable, su conversación grata, su ingenio vivaz y penetrante, su manera de hablar tranquila y juiciosa y el tono de su voz agradable, lo que le hacía elocuente y persuasivo. De esta manera describe Roger de Piles (1699) a Peter Paul Rubens, uno de los grandes genios del Barroco y una de las principales figuras de la Historia del Arte, al reunir en una sola persona singulares dotes artísticas, importantes conocimientos humanísticos, el dominio del latín y varias lenguas modernas y una especial habilidad para la diplomacia, convirtiéndose en ejemplo para un buen puñado de artistas, entre otros el español Velázquez.

Acaso no es eso lo que andaba buscando Perseo? CLICK EN LA IMAGEN PARA AMPLIAR

OTRA PELICULA : JASON Y LOS ARGONAUTAS / DON CHAFFEY 1963

TEXTO Y SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

"Tú eres la catedral de la pesadumbre, donde dioses desconocidos hablan a media voz, en el idioma de los murmullos prometiendo longevidad a los árboles imponentes, contemporáneos del paraíso, que eran ya decanos cuando las primeras tribus aparecieron y esperan impasibles el hundimiento de los siglos venturosos”

José Eustasio Rivera

FICHA TECNICA :Dirección Werner Herzog Poducción Werner Herzog Renzo Rossellini Walter Saxer Willi seglar Lucki Stipetic Guión Werner Herzog Música Popol Vuh Fotografía Thomas Match Reparto Klaus Kinski Claudia Cardinale Miguel Ángel Fuentes Paul Hittscher José Lewgoy Datos y cifras País Alemania – Perú Año 1981-1982 Duración 157 minutos Calificación IMDB: 8.0 /10

PLOT: Un hombre intentará construir un teatro en plena selva peruana

COMENTARIO: Con el transcurrir del tiempo el cine se ha convertido en un acto de magia, sólo admisible en la escala de nuestras ficciones diarias, un acto que encumbra todo tipo de artificios y que reafirma nuestra creencias en lo encantado, pero que decir cuando el truco supera cualquier tipo de razonamiento lógico y se erige como un acto de locura equiparable a lo sobrenatural. Este es el marco que puede describir el cine de Herzog, un acto siempre hecho ante nuestros ojos, desafiando las leyes de la gravitación y de la cordura.

Con gusto de prestidigitador Herzog convierte una historia en apariencia simple en una epopeya, digna del Bello Canto afición del protagonista, este es precisamente la génesis de un sueño equiparable quizás a la idea misma de la creación, descomunal, exagerado, pero a la vez sublime, como el hombre que lo hace realidad, un melómano que por amor al arte, desafiara los peligros de la selva, y la asumirá como su rival más fuerte, llevando sus anhelos a la más descabellada idea que la humanidad halla podido recrear y quien no sino Herzog – Kinski, para hacerla posible.

El primero para quien el cine no es sólo un medio de expresión si no la vida misma y el segundo un actor fuera de cualquier catalogación y psicópata, que lograba encarnar como suyas las desgracias de sus personajes, que se volcó sobre si mismo para dar vida a individuos que tienden a Dioses pero que terminan siendo funestamente mortales (Aguirre, Fitzcarraldo, Francisco Manoel da Silva (Cobra Verde). Este querido espectador, será un viaje a las entrañas de la creación misma, a un espacio creado por Dios, solo para recrear a criaturas celestiales y en el cual un hombre hará el tributo más grande al arte, lejos de nociones ortodoxas sublimara su existencia en amor a la opera, al arte, al espíritu aventurero e incluso a la naturaleza.

La música que es en gran medida el alimento de esta aventura esta enriquecida de personajes oscuros, abrumados, cargados de un signo de infortunios y pesadumbre, la oscuridad de sus espíritus, quedo plasmada en la riqueza de sus melodías, el Réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart, la Quinta sinfonía de Ludwig van Beethoven, son nuestra quizás de una existencia atormentada, que convirtieron a dos seres mortales en lo mas cercano a DIOSES. Por demás Fitzcarraldo es un loco irlandés que encontró en la música, en 10 niños y un marrano su significado a la existencia.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLIP: ENRIQUE BUNBURY/ LOS RESTOS DEL NAUFRAGIO / Dir. NO ACREDITADA

Los restos del naufragio quedaron esparcidos o desaparecidos o rotos, nos queda el presente que ya es suficiente y no nos debe faltar, nos queda la suerte que si se balancea un poco, nos puede tocar. Nos queda Oaxaca, Peyote, San Pedro y amigos que no nos quieren cambiar. Nos quedan canciones que llenen los corazones y sobre todo la de los demás. Nos queda el mar y un buen pescado que comer a tu lado y eso solo será si vuelves, claro!. Los restos del naufragio quedaron esparcidos o desaparecidos o rotos. Nos queda Leonard Cohen, Tom Waits y Nick Cave, Jaime Santiago el Loco y Andres, Charly, Fito, Espineta, Erica Andrea y como no, esa mi Julieta. Nos queda Vennarech, Marrakech, Cadiz, Buenos Aires y Santo Domingo si nos dejan volver. Nos queda el cine e incluso Herzog, no te olvides de eso Enrique.CLICK EN LA FOTO PARA VER VIDEO

UN DISCO: RIGOLETTO / GIUSEPPE VERDI (SUTHERLAND, PAVAROTTI, MILNES) LONDON -1990
Verdi llegó a la cima de la creación artística con Rigoletto, llevando a escena a un bufón jorobado al servicio de un duque libertino. La elección del argumento fue censurada por el teatro La Fenice de Venecia que no quería estrenar una ópera con un tema de carácter truculento. La obra está inspirada en El rey se divierte, de Victor Hugo, que no pudo estrenarse por el escándalo que produjo en París la posible representación del vicioso rey francés Francisco I en las tablas, el mismo Victor Hugo diría: “Si en mis obras pudiera hacer que cuatro personajes hablaran a la vez, y conseguir que el público entendiera las palabras y los sentimientos, obtendría exactamente el mismo efecto.” En fin , otros títulos del mismo autor que bien podrían interesarte, sí y sólo si la existencia frívola te lo permite son Aida y por supuesto La Traviata, PARA DESCARGAR ESTA MAGNIFICA CREACIÓN HUMANA DEBES HACER CLICK AQUÍ: CD1 Y AQUÍ: CD2, SI QUIERES EL LIBRETO PARA ACOMPAÑAR CON LECTURA MIENTRAS ESCUCHAS HAZ CLICK EN LA CARATULA PARA CONSULAR EL LIBRETO.

UNA LECTURA: CUENTOS DE LA SELVA / HORACIO QUIROGA -1918
Compuestos originariamente para sus hijos, los Cuentos de la Selva han sido leídos y utilizados por varias generaciones de niños y maestros. El estilo tan exclusivo de Horacio Quiroga, breve, conciso y de una particular originalidad, combina elementos reales con fantásticos. Pone en el mismo plano al hombre y a los animales integrándolos al ambiente de selvas misioneras en un marco único e irrepetible. CLICK EN LA CARÁTULA PARA DESCARGAR

UNA PINTURA: ETERNAL AMAZON / RAFAEL PIAGUAJE 1998
Sencillo en sus explicaciones, Piaguaje habla español con acento quichua. Su conversación es pausada y la musicalidad de sus palabras nos lleva a un escenario exótico sin proponérnoslo. Descalzo, se mueve alrededor del lienzo y explica los detalles del cuadro que está pintando. Es un ritual como el que hace antes de ir de caza o de pesca al río Cuyabeno. Hijo de Cecilio, cacique de la tribu, y de Matilde, chamán de los Secoya, Ramón Piaguaje cree que si tiene algún don es el de "ver a los poderosos árboles amazónicos con sus colores perfectos”.TOMADO DE babab.com
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OTRA PELÍCULA: AMADEUS / MILOS FORMAN 1984

TEXTO Y SELECCIÓN: WILLIAM ALEXANDER MEDINA - HEYBËR J. PERDOMO R.

FICHA TECNICA :Director: Michael Haneke / Productor: Veit Heiduschka / Guión: Michael Haneke / Fotografía: Jürgen Jürges / Música: Georg Friedrich Haendel, Pietro Mascagni, Wolfgang Amadeus Mozart y John Zorn / Montaje: Andreas Prochaska / Intérpretes: Susanne Lothar (Anna), Ulrich Mühe (Georg), Arno Frisch (Paul), Frank Giering (Peter), Stephan Clapcynski (Schorschi), Doris Kunstmann (Gerda), Christoph Bantzer (Fred), Wolfgang Glück (Robert), Susanne Meneghel (Gerda Schwester), Monika Zallinger (Eva) / Nacionalidad y fecha: Austria 1997 / Duración y datos técnicos: 108 min. Color Scope Calificación IMDB: 7.7 /10

PLOT: Acaban de empezar las vacaciones. Anna, Georg y su joven hijo Georgie parten a su bonita casa a orillas del lago, a su llegada dos jóvenes muy educados les visitarán para pedirles prestados unos huevos.

COMENTARIO: Y el hombre descubrió el fuego, después “Pisó la luna”, pero antes inventó el televisor, y el televisor inventó la realidad y también alimentó a las masas, pero antes re-creó al hombre; no se equivocaban Bioy Casares y Borges cuando de manera inspirada cerraban ese maravilloso relato que es Esse est percipi diciendo: “Hoy todo pasa en la televisión y en la radio (…) son cosas que no existen fuera de los estudios de grabación y de las redacciones”.

La consonancia de estas líneas en la obra de Michael Haneke resulta indiscutible, el estilo que éste, en una decena de películas ha venido configurando alcanza con Funny games un rasgo tan característico que difícilmente una película distinta a las de Haneke puede parecérsele, y es que el terror que este autor le imprime a sus imágenes se soporta en la droga de consumo y diseño por excelencia, la televisión, y como en la televisión, en sus largometrajes el espectador se mantiene perplejo, apenas se resiste a la manera como se le bombardea con pantallazos, el uso recurrente de los primeros planos en primera persona parece por momentos involucrarlo al punto de que de vez en cuando se le invite a que decida sobre la suerte de las distintas situaciones desarrolladas, es curioso como el realizador, nacionalizado austriaco, se vale de ese mismo recurso que critica para elaborar una estética negativa plagada de advertencias sobre los efectos nocivos del uso y el abuso del entretenimiento predilecto desde la segunda mitad del siglo XX.

Para nadie es un secreto que los personajes que se desenvuelven en las películas de Haneke no son ni mas ni menos que los hijos del espectro electro-magnético, niños, jóvenes, amas de casa y pensionados mentales expuestos a intensas jornadas de violencia, noticias manipuladas, amores y traiciones, enlatados vencidos, zonas retro-gradas y concursos de formato repulsivo donde se castiga o se banaliza la ineptitud, la incapacidad de adaptarse o de ser aceptado.

El contexto en el que se explica esta historia como el de gran parte del estilo Hanekiano , es el de una sociedad en la que un sector medianamente acomodado alcanza la plenitud de aspiraciones de una vida digna, ideal y correcta: buenos ingresos, reconocimiento y status académico, una familia hermosa y una casa donde pasar el fin de semana: una existencia sin preocupaciones aparentes. Por fortuna aparece un elemento (un par de) que mina y destruye dicho orden, este factor demoledor no es externo, no viene del espacio exterior, no es una conspiración de los federales ni una maldición india y mucho menos una fuerza de la naturaleza colérica e incontrolable, , ese factor, es ese mismo instalado en la condición humana, el mismo que occidente a descuidado en sus delirios e ínfulas de modernidad, el mismo que se condensa en una caja de resolución de miles de colores cuyas medidas oscilan entre 17 y 45 pulgadas.

Con todos estos rasgos, con un exquisito humor negro y con cierta ironía Michael Haneke nos hace saber que el mundo como va, va muy bien; cinta, ésta, altamente recomendable para aquellos que disfrutan de los finales felices... finales como los que se ven en TV!!

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLÍP: RAMMSTEIN : MEIN TEIL / Dir. ZORAN BIHAC 2004
Mein Teil (Mi parte) inspirada por el caso de canibalismo de Armin Meiwes en la ciudad de Rotenburgo en Alemania, durante el 2001,que viva la pueblo alemán! CLICK EN LA FOTO PARA VER VIDEO

UN DISCO:GARDNER CHAMBER ORCHESTRA MOZART: SINFONIA CONCERTANTE /GUILD 1979

Cuando Mozart escribió esta obra se preocupó particularmente de diferenciar los dos instrumentos protagonistas, el violín y la viola. Sabiendo que el violín siempre sobresale entre los demás instrumentos de cuerda, buscó la forma de que la viola compartiera ese protagonismo. Para ello, especificó que ésta se tocara "scordatura". Esto significa que el instrumento debe ser afinado medio tono más alto de lo normal buscando así una mayor intensidad y brillo. De este modo, no se vería ensombrecido por el violín. Asimismo, Mozart en esta obra redujo sensiblemente los aspectos virtuosísticos del violín en comparación con sus otros conciertos para violín. Para reforzar aún más el carácter de igualdad entre ambos instrumentos también dividió las violas de la orquesta en dos por lo que nos encontramos con no sólo primeros y segundos violines sino también con primeras y segundas violas. Efectivamente el resultado de aplicar las indicaciones de Mozart no pasa desapercibido en esta interpretación. La viola está dotada de un sonido más vibrante, luminoso e intenso. Se puede percibir claramente en el comienzo del conmovedor Andante cuya frase inicial en respuesta a la del violín está teñida de una especial melancolía gracias a esa ligera desafinación aportada por la scordatura mientras que esa misma frase en otras versiones suena apagada y sin vida. La indicación de los tiempos es: I. Allegro maestoso II. Andante III. Presto
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UNA LECTURA: TELEVISIÓN Y CULTURA DE MASAS/ THEODORE W. ADORNO / 1947
La complejidad y amplitud de una obra como la de Th. W. Adorno ha hecho que ciertos aspectos de su creación intelectual hayan sido relegados injustamente. Sin embargo, la grandeza de esos análisis sobre cine, televisión, música de consumo, etcétera, se hace expresa cuando se comprueba la importancia que la cultura de masas tiene en el desarrollo teórico del concepto de dialéctica negativa, una lectura poco recomendad para aquellos que siguen creyendo que la televisión es el octavo arte. CLICK EN LA CARATULA PARA DESCARGAR

UNA PINTURA: LA TORMENTA /EDWARD MUNCH 1893
La furia desatada de la naturaleza amenaza a unos desvalidos seres que están impotentes ante los poderes naturales. Es de noche, sopla fuerte el viento y la tormenta se avecina. Las luces de las ventanas de la casa resultan un refugio acogedor frente a la hostilidad de la naturaleza pero los seres misteriosos que andan por el campo no se dirigen hacia la protección que les brindaría la casa sino, justo en sentido contrario. Inquietud y angustia muestran de esta forma ante el futuro.

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OTRA PELÍCULA: LA NARANJA MECANICA / STANLEY KUBRICK 1971

TEXTO Y SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

15.08.08 : VIAJE A LA NADA

“La materia del universo, en los instantes del origen, salió de la nada.”

STEPHEN HAWKING

FICHA TÉCNICA: Director:Vincenzo Natali Productor: Steve Hoban Guión: Andrew Lowery y Andrew Miller. / Fotografía: Derek Rogers. Música: Michael Andrews Dirección artística: Anastasia Masaro Vestuario: Alex Kavanagh Intérpretes: Andrew Miller (Andrew), David Hewlett (Dave), Marie-Josée Croze (Sara), Gordon Pinsent (Oficial) Nacionalidad y año: Canada 2003 Duración y datos técnicos: 93 min. CalificaciónIMDB:6.3 /10

PLOT: Dos hombres se encuentran al límite de sus posibilidades; sin dinero, sin trabajo y sin futuro. . .Ante tanta adversidad,qué seria lo peor que podría pasar?

COMENTARIO: La propuesta de organizar un ciclo de cine orientado a la temática de los viajes desborda en despropósito cuando consideramos que las únicas películas posibles bajo este rotulo serian aquellas de carretera- de desplazamiento físico de un punto A a un punto B- membreteadas generalmente como Road-Movies, por fortuna cuando nos referimos a viajes no lo hacemos en el sentido recto de la palabra sino en la complejidad que la misma supone, así, este semestre veremos, si su paciencia, señor espectador lo permite, viajes psicotrópicos, viajes motorizados, periplos titánicos y visitas al averno, viajes celulares e incluso emocionales; un puñado de títulos que tienen como único denominador común estar reunidas en un mismo sitio, aunque en el fondo, y eso ya hace tiempo lo sabemos: el cine sea en si mismo un viaje, un viaje iniciático para el que tiempo y espacio no son limitaciones a la hora de conocer.

Comenzamos nuestro itinerario cinefago con el viaje siempre necesario ,el viaje a ninguna parte; el director canadiense Vincenzo Natali prueba una vez mas sus obsesiones cinematográficas con el largometraje del día de hoy: la ruptura de las nociones del espacio euclidiano, el caos, la claustrofobia y el condicionamiento físico y enjaulado del que somos victimas como simples mortales encuentran en 90 minutos y en una puesta en escena y estilos en ascenso ( especializados en tomar elementos del video-clip y otros formatos audiovisuales para configurar historias divertidas a tiempo caóticas con cierto tono dramático e ingenuo del cual directores nuevos en el ámbito como Michel Gondry , Spike Jonze pero sobre todo el guionista Charlie Kauffman son la mejor muestra) una aceptable metáfora: que ocurre cuando nuestro mundo de desploma , cuando nuestra suerte parece condenada al abismo no solo figurada sino literalmente? Natali acusa nuestros sentidos con una historia que desde una reflexión sistémica puede atinar a multitud de explicaciones, pero que, y allí tal vez resida el sabor agridulce que deja en el espectador al primer visualizado, desde un punto de vista objetivo parece instalarse en lugares comunes haciéndose frívola, apenas divertida y poco relevante; en este aspecto el canadiense se sigue reservando con lo mejor de su talento para otra oportunidad; “Nothing” es una cinta lo suficientemente ingenua para iniciar con este viaje, uno en el que visitaremos los lugares más recónditos que la ultima de las artes tiene para mostrarnos. Bienvenidos.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEOCLIP: R.E.M / DAYSLEPPER-Dir.THE SNORRI BROTHERS 1998

Si lo que afuera nos espera no es más que mundanal ruido y no hay una buena razón para salir,mejor quedarse en casa, imagenes superpuestas y el ritmo agitado a tiempo pausado de una ciudad anonima que como muchas no duerme; este clip promocionó "Up" el disco más experimental del grupo de Athens...Georgia. CLICK EN LA FOTO PARA VER

UN DISCO: THE RESIDENTS: THE COMMERCIAL ALBUM/EAST SIDE DIGITAL 1980

A principios de los 70´s por los lares de San Francisco,4 dementes anonimos experimentaron con cintas, sintetizadores y con la deformación de las reglas musicales.En sus performances incluian fotografías, y video-films en super 8 y disfraces que no permitian ver sus caras: The Residents.Ninguna compañía se interesó por su material, asi que crearon su propio sello(Ralph Records) grabaron más de 30 discos, desde "Eskimo" un disco de música एस्कुइमल hasta obras conceptuales protagonizadas por Topos, canciones de los sesenta reconvertidas en suites de aire nazi “The Third Reich 'n’ Roll”...desarrollaron un manifiesto: la Teoría de la Oscuridad,aquella que dicta que el artista solo puede crear arte puro cuando las expectativas e influencias del mundo exterior no son tomadas en consideración. Este es su disco mas accesible, 40 canciones de 1 minuto y reconstrucción de muchos hits del Pop, desde Elvis Presley hasta James Brown. Nunca han mostrado sus caras, ni han dado entrevistas a la prensa, muchas leyendas circularon durante años sobre la identidad de los mismos: que son alemanes, hijos advenedizos del krautrock, que el erudito John cage tocó con ellos, que son músicos de re-nombre y que este es un proyecto paralelo...Yo, que fuí el quinto residente, les puede asegurar que nada de ello es cierto.
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UNA LECTURA:LA ESTRUCTURA A GRAN ESCALA DEL ESPACIO-TIEMPO / STEPHEN HAWKING Y G. F. R. ELLIS -1973

En las últimas décadas, Hawking ha intentado desarrollar una teoría completa que unifique la relatividad con la mecánica cuántica. La relatividad explica la estructura a gran escala del universo; la física cuántica hurga en la microestructura del mundo. El brillante científico inglés -aquejado de la enfermedad de Gehring, un trastorno del sistema neuronal que lo tiene prácticamente paralizado por entero- sostiene que una teoría unificada permitiría la completa comprensión del universo, de su origen y funcionamiento. En esta línea de investigación ha elaborado ya sugerentes ideas. Así, por ejemplo, ha señalado que una visión bastante satisfactoria del origen del universo es la del big bang, esto es, bueno ustedes ya saben: que hubo un principio en el que toda la materia estaba concentrada en un punto único, el que se manifestó y explotó en un big bang del que surgió el universo, el espacio y el tiempo . Desde esa primera singularidad en adelante, el universo se encuentra en expansión. Para Hawking, no obstante, constituye un error creer que el big bang origina una masa material en algún lugar del espacio vacío: no sólo se crea la materia en el instante de la explosión, sino que se crean también el espacio y el tiempo, es decir, el tiempo y el espacio tienen allí su comienzo. No entendí? repasemosle mejor en detalle, en este libro del que el propio Hawking dijo: "is highly technical and quite unreadable" CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR

UNA PINTURA: AZUL MONOCROMO- YVES KLEIN - 1961
Yves Klein (Cagues-sur-Mer-1928), falleció a los 34 , se cuenta entre los artistas más originales y más relevantes del siglo XX , realizó toda su producción artística en el breve lapso de siete años. Fue precursor de muchas de las prácticas y tendencias artísticas que llegaron a generalizarse como el happening y el tergivesado performance; el Land Art o arte medio-ambiental, el arte corporal y elementos del arte conceptual. Su intrincada personalidad, que fluctuaba entre la extrema concentración y la total ausencia de límites, se refleja en un trabajo en el que la monocromía y la figuración, o la espiritualidad y la teatralidad, no se plantean como antítesis sino que, más bien al contrario, contribuyen a una finalidad suprema: abarcar la vida a través del arte; referenciado como digno representante de una suerte de neo-dadaismo al francés lo que más le interesaba era la eliminación del contenido de la obra : cuadros sin pintura, libros sin palabras, composiciones musicales sin música, NO representar los objetos de una forma subjetiva, o artística, SI hacerlo por la huella que estos pudieran haber dejado: la imagen de su ausencia. El trabajo de Klein tiene referencias fuertes a los contextos teorícos/arte-históricos así como a la filosofía/metafísica (Zen). Klein atribuía un papel especial al color azul que, como el cielo y el mar, encarnaba los aspectos más abstractos de la naturaleza tangible y visual, "El azul es lo invisible tornándose visible", decía. CLICK EN LA IMAGEN PARA AMPLIAR.

OTRA PELÍCULA: BEING JOHN MALKOVICH / SPIKE JONZE- 1999

TEXTO, SELECCIÓN Y COMENTARIOS: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

"Religión, filosofía, arte - los tres pilares sobre los que descansa el mundo- fueron inventados por el hombre para condensar la idea de infinito"

. ANDREI TARKOVSKI

FICHA TÉCNICA : Dirección y guión: Pier Paolo Pasolini Productores: Franco Rossellini, Manolo Bolognini (Aetos Films) Fotografía: Guiseppe Ruzzolini/ Música: Ennio Morricone Intérpretes: Terence Stamp, Silvana Mangano, Massimo Girotti, Anne Wiazemsky, Andrés José Nacionalidad y año: Italia 1968 / Duración : 94' Calificación IMDB: 7.1 /10

SINOPSIS: Una familia aburguesada de Milán recibe un telegrama que incluye sólo dos palabras: "Arrivo domani" (Llego mañana). Al día siguiente, reciben la visita de un muchacho que sin más explicación se instala en la casa como un integrante más de la familia.

COMENTARIO: Teorema es: la mirada crítica, compasiva y compleja de una sociedad hundida en la trivialidad y el acomodo. Teorema es: un hermoso fresco sobre el descubrimiento y la pérdida, descubrimiento del sentido de nuestra existencia a tiempo que pérdida de nuestra ingenua y equivocada convicción. Teorema es: una rigurosa composición geométrica-cinematográfica donde los primeros 5 minutos de imagen se explican por la suma de los dos tercios, al cuadrado, de película restante, una parábola. Teorema es: (como gran parte de la obra de Pasolini) sublimación de la carne, o mejor, del verbo que se hizo carne. Teorema es: Cine heredero de la tradición neorrealista italiana que se aventura por los senderos de la reflexión filosófica en torno a los problemas cotidianos de la generación de su autor. Teorema es: la última película de este ciclo descorazonado, dedicada, como todas las demás, a ilustrar con fotogramas el ambiguo significado del misterio del amor: amor de celofán, amor redentor, amor violento y amor familiar, amor industrial. Amor alternativo y a hurtadillas, amor al arte, amor a golpes. Amor trágico y descarnado, amor y asco igual a amor al padre, amor consumado y vitalicio, amor al prójimo, amor al otro, amad los unos a los otros.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLÍP: DAVID BOWIE : NEW KILLER STAR/ Dir. BRUMBY BULYSTON 2003

Si la "realidad" de la cual extraemos apenas la apariencia se encuentra regida por reglas: de causa y efecto, de secuencias de numeros, de interrelacioneas abstractas y dialécticas con los otros, de enunciados y problemas...en fin, pues quien nos puede negar que este videoclip efectivamente no nos muestra al universo guiandose por una?, primer lanzamiento del desigual pero no menos apasionante disco "Reality", lo más vigente de su majestad el camaleón Bowie.

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UN DISCO: GEORGE FREDREIC HÄNDEL: MESSIAH / HARMONIA MUNDI FR. 2006

La obra más conocida de Händel ( 1685-1756), aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas. La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas); la costumbre vincula esta obra a la Navidad ( ha de ser la europea, dudo mucho que la colombiana), pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida.
El Mesías se estrenó en el Covent Garden, de Londres. Durante el concierto, el rey Jorge II se emocionó tanto que, al llegar a la parte de los coros de Aleluya, se puso a dar saltitos. Sus súbditos hicieron lo mismo y, desde entonces, se hizo tradición el ponerse de pie cada vez que es ejecutada esa parte, algunos historiadores consideran a este momento como fundacional de las conocidas "Standing Ovation". CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR

UNA LECTURA: ARTHUR RIMBAUD / ILUMINACIONES 1875
Las Iluminaciones, de Jean-Arthur Rimbaud, fueron escritas entre 1873 y 1875. Se publicaron por primera vez en cinco entregas en el periódico de los simbolistas La Vogue, en 1886. No es posible pensar la poesía del siglo XX sin el aporte de este pequeño pero significativo libro, que junto con las Poesías y Una temporada en el infierno revolucionaría el modo de concebir la escritura e influiría decisivamente en las primeras vanguardias, especialmente en el surrealismo; menos charla y más lectura. CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR

UNA PINTURA: COSMIC CHRIST / ALEX GREY 1999

Famoso por ilustrar las caratulas de grupos como TOOL o el maravilloso "In Utero" de Nirvana, o por buscar inspiración en enteógenos, Alex Grey ha venido reclamando un lugar en el viciado circulo de la pintura contémporanea, su obra propone una lectura del devenir humano a lo largo de las diveras formas del conocer: Religión , Mito , subconciente, psicodelia, ciencia y filosofía se entrelazan en su colorida, efectista y eclectica imagen. Y el LSD se hizo pintura.EN CONVERSACIONES RECIENTES CON EL ORGANIZADOR DE ÉSTE CICLO, ALEX SE HA COMPROMETIDO A ILUSTRAR EL PRÓXIMO PENDÓN DE NOCTURAMA

OTRA PELÍCULA: VISITOR Q / TAKHASHI MIIKE -2001

SELECCIÓN Y COMENTARIOS : HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

Etiquetas: NOCTURAMA A 2008

"El vampiro al igual que la muerte, sólo tiene sentido como experiencia limite, en esta se trasciende, la pura cuestión de la sobrevivencia objetiva, quedando abierta la pregunta por el sentido de la muerte propia y la ajena. Cada vez que el vampiro da muerte a alguien o lo hace suyo, experimentamos nuestra muerte, nuestra pérdida, el transito a lo desconocido."                FERNANDO ROMERO LOAIZA

FICHA TECNICA :Dirección y guión: Guillermo del Toro / Productores: Arthur Gorson, Bertha Navarro para Fondo de Fomento de Calidad Cinematográfica/Iguana Producciones/Instituto Mexicano de Cinematografía / Fotografía: Guillermo Navarro / Música: Javier Álvarez / Efectos especiales: Necropia (maquillaje), Laurencio Cordero / Montaje: Raúl Dávalos / Intérpretes: Federico Luppi (Jesús Gris), Ron Perlman (Ángel de la Guardia), Claudio Brook (Dieter de la Guardia), Margarita Isabel (Mercedes Gris), Tamara Shanath (Aurora Gris), Daniel Giménez Cacho (Tito), Juan Carlos Colombo (director de funerales), Mario Iván Martínez (alquimista), Farnesio de Bernal, Luis Rodríguez, Javier Álvarez, Gerardo Moscoso, Eugenio Lobo... / Nacionalidad y año: México 1993 / Duración : 92' Calificación IMDB: 6.7 /10

SINOPSIS: Un anticuario localiza un extraño ingenio de carácter alquímico, cuyo mecanismo le "inyecta" una pulsión vampírica a la cual le será imposible resistirse...

COMENTARIO: La eterna condena del chupa-sangre tiene en la primera película del ahora archiconocido Guillermo del Toro, la hemoglobina suficiente para considerársele como obra de culto; la revisión que el mexicano hace del mito del humano prisionero por aspirar a la inmortalidad, goza de tanta originalidad y exquisitez narrativa que los errores y los lugares comunes, típicos en toda opera prima, terminan por pasarse por alto. Del Toro inaugura con Cronos un estilo o lo que es mejor, su propio estilo, y es que tanto en sus títulos de logrado lirismo ( El espinazo del diablo,2001 o la premiada El laberinto del Fauno,2006 ) como en aquellas lamentables concesiones a la industria ( Mimic, 1997 , Hellboy 2004 o la prescindible Blade II 2002) el creador defenderá un acento que será recurrente después de ésta cinta: despliega relatos de aventura cargados de criaturas míticas escapadas de algún bosque encantado, nos cuenta historias donde siempre los mortales estarán impregnados de cierta ambición fáustica, y entrega un excelso toque dramático preponderante a pesar del carácter fantástico de su cine. La suntuosidad de la obra de Terry Gilliam o la del ya cansino Tim burton, parece rendir fruto en los largometrajes del director mexicano, en estos habita la esencia y el espíritu de una infancia perdida y una evasión de lo inmediato a través de la imaginación, factor este, predominante en títulos como El Barón de Munchausen 1988 o Big Fish 2003, por citar solo un par de ejemplos.

En Cronos se despoja al vampiro de su aureola más erótica, ubicándosele en su vertiente más urbana. Por los polvorines del DF deambula un representante de la noche tenebrosa, este ya no busca damiselas, sólo pretende atravesar aquel umbral que no le permite seguir existiendo; con Cronos también se abre el artilugio de un alquimista, el artefacto cinematográfico de un nombre a tener en cuenta en la renovación de un género que esperemos, nunca deje de sorprendernos.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLÍP: SIGUR ROS : HOPPIPOLLA/ Dir. ARNI & KISKI 2005

Una instantánea hermosísima sobre la vejez y la infancia; la advenediza música elaborada por Sigur Ros encuentra su redención en el crujir de unas botas que pisan el congelado suelo de la tundra, en las dulces notas de un xilófono , en la mezcla entre melancolía y emoción que provocan el ver a un niño entre saltando charcos u a otro jugando a los piratas. Brosandi (sonriendo) ,Hendumst í hringi (girando sobre sí), Höldumst í hendur (cogiendo manos) Allur heimurinn óskýr (el mundo entero está borroso)Nema þú stendur (pero tu aguantas) Rennblautur (empapado) Allur rennvotur (completamente mojado)Engin gúmmístígvél (sin botas de goma) Hlaupandi inn í okkur (dentro de nosotros)Vill springa út úr skel (quiere nacer rompiendo un cascarón)Vindurinn (viento)Og útilykt af hárinu þínu (y el olor del aire fresco en tu pelo)Eg lamdi eins fast og ég get (golpeo tan deprisa como puedo) Með nefinu mínu (con mi nariz) Hoppípolla (saltando por los charcos)I engum stígvélu Allur rennvotur (rennblautur) (completamente mojado (empapado))I engum stígvélum Og ég fæ blóðnasir (y me sangra la nariz) En ég stend alltaf upp (pero siempre me levanto) (Hopelandic) Og ég fæ blóðnasir (y me sangra la nariz)Og ég stend alltaf upp (pero siempre me levanto)(Hopelandic).CLICK EN LA IMAGEN PARA VER VIDEO

UN DISCO: ROLANDO LASERIE: MENTIRAS TUYAS / ALMA LATINA 1957
La sinuosa cadencia de la trompeta prepara el terreno para la infiltración subrepticia de los clarinetes y el aristocrático piano, el cual, con seis firmes pasos, precede al suave remolino de mansos vientos que suben por la cresta de la evocación hasta que el firme puntillazo del piano acalla su jovial incursión, preludiando así la aterciopelada voz de Rolando Laserie; él, en pleno uso de sus prerrogativas, cierra el paréntesis armónico con la descripción de un hombre que mancillado por los años retorna a la arista delirante de sus reminiscencias.La obra de este sonero es demasiado importante, entre el guiñol a la decadencia y cierto aire gótico "Las cuarenta"( uno de los muchos y grandiosos temas incluidos en ésta, su primera grabación) fue concebido como un tango, el trovador la retomó en clave de bolero y dejó para la historia de la música antillana una de las canciones más tristes de la historia, amor a una vida que ya se nos fué! ( algunos, los más, viejos recuerdan este tema porque acompañaba el cabezote de una pintoresca serie televisiva llamada: Romeo Y Buseta). CLICK EN LA CARATULA PARA DESCARGAR - Password para descomprimir: oscarelli

UNA LECTURA: EL ESCARABAJO DE ORO / EDGAR ALLAN POE 1843

Cuento de aventuras, protagonizado por el narrador anónimo, amigo íntimo de Legrand, quien habita una isla llamada Sullivan, en Carolina del Sur, a donde se había trasladado, en compañía de su sirviente negro, cuyo nombre es Júpiter, para evitar ser humillado por quienes lo habían conocido siendo adinerado, y ahora estaba sumergido en la miseria.

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UNA PINTURA: SATURNO DEVORANDO A SUS HIJOS / PETER PAUL RUBENS -1636

En nieblas de futuro adormecido,
un hijo habrá de despertar un día
que despedazará la tiranía
del padre, en lentos siglos sumergido.

Cronos, por el augurio precavido,
tras los bloques del tiempo es su vigía,
y en aras de su megalomanía
devora cada nuevo hijo nacido.

Déspotas vinculados al gobierno
inmolarán sus hijos en la guerra,
persiguiendo una estúpida ambición.

Y extenderán la furia del infierno
a la sangrienta y calcinada tierra,
y esa será su gloria y su blasón.

FRANCISCO ALVAREZ HIDALGO

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OTRA PELÍCULA: THE FOUNTAIN / DARREN ARONOFSKY 2006

TEXTO Y SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

Etiquetas: NOCTURAMA A 2008

"Si el sexo es a la lectura, lo que la sensualidad es al tono que se desea dar y que se pone en la lectura, entonces la imaginación es pornografía. Quiera pues tu Fantasía, que al leer esto te corras”. MIGUEL BOSÉ

FICHA TECNICA : Dirección: Marina Abramovic (segment "Balkan Erotic Epic") Matthew Barney (segment "Hoist") Marco Brambilla (segment "Sync") Larry Clark (segment "Impaled") Gaspar Noé (segment "We Fuck Alone") Richard Prince (segment "House Call") Sam Taylor Wood(segment "Death Valley"). 2006 /Duración : 106 min. Calificación IMDB:4.8/10

SINOPSIS: Serie de siete cortos que entrelazan la experimentación audiovisual con el porno.

COMENTARIO:Desde los días de Garganta Profunda (Gerard Damiano, 1972) la cuestión de si la pornografía es un género cinematográfico sigue sin resolverse, mientras tanto, siete autores se posicionan alrededor de dicha inquietud para entregarnos estos ejercicios diseñados para excitar; cada uno de ellos lleva la impronta de su realizador: aproximaciones antropológicas a la sexualidad de una cultura ancestral, interesantes aprovechamientos de la edición, remembranzas de un cine setentero y condimentado, arriesgados y extraños montajes, la fantasía de todo pornógrafo materializada, el tedio y la desolación de aquel que expulsa su semilla en la arena y la consagración de un estilo. Todos ellos configuran este Destricted (¿Destringido?), un filme de poca distribución y bastante polémica que espera asegurarse una pequeña clientela de leales pervertidos.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEOCLIP: MIGUEL BOSÉ: ELLA DIJO NO / Dir.ALICIA REGINATO & BENET ROMÁN -2005


Velvetina es un disco netamente vanguardista, Bosé expone su música a las tendencias electrónicas y termina entregándonos un disco fenomenal de principio a fin, este vídeo ofrece imagenes descarnadas cuerpos que se buscan y por supuesto mucho amor consumado. CLICK EN LA IMAGEN PARA VER


UN DISCO: PLACEBO; SLEEPING WITH GHOSTS / ASTRALWERKS-2003

Sleeping With Ghosts. Un trabajo en el que los “fantasmas” vuelven con sus mismas apariciones, porque son los mismos espectros que han vuelto por sus fueros, con sus mismas cacofonías,... Sleeping with ghosts un disco tan bueno como cualquiera de los anteriores, Placebo incluso repitiendose resultan innovadores; bueno, por otro lado está esa hermosa caratula.

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UNA LECTURA: LAS CEREMONIAS DEL PORNO / ANDRÉS BARBA Y JAVIER MONTES 2007

Se suele pensar en el porno como el más rudimentario de los géneros de ficción para el más rudimentario de los consumidores. Y sin embargo el porno es muy exigente con su usuario. Si ver porno es fácil, verse viendo porno es mucho más complicado. Es una de las muchas dificultades del hablar de porno: la de reconocerse sujeto susceptible a lo porno; más aún, sujeto que busca activamente lo porno; y todavía más, sujeto que se reconoce a sí mismo mientras ve porno. Sólo si se es capaz de realizar ese triple esfuerzo puede resultar interesante tratar el asunto. De Sade a Santa Teresa, de Bataille a Barthes, de Madonna a Martin Amis, pasan por este ensayo quienes han hablado sobre el asunto a lo largo de su Historia. Pornófilos y pornófobos se han enfrentado en guerras sin cuartel que quizá llegan ahora a una tregua indefinida: del porno en red a la webcam, el antiguo consumidor se está convirtiendo en productor y en sujeto porno. Y el consumo masivo de pornografía en países y sociedades oficialmente represores nos dice que quizá estemos llegando a una nueva fase en las relaciones privadas y colectivas con lo pornográfico. Ganador XXXV Premio Anagrama de Ensayo.
UNA PINTURA:EL MARTIRIO DE SAN SEBASTIAN/ EL GRECO 1577

Una de las obras más realistas pero igual desconocidas de El Greco , actualmente se conserva en la antesala de la Catedral de Palencia, siendo la obra cumbre de su museo catedralicio. Se trata de una pintura de su primera etapa española con la que no ofrece aquella deformación típica ni aquel colorido tan exuberante de sus pinturas en etapas posteriores. Doménikos Theotokópoulos nació en Creta en 1541 y murió en Toledo en 1614, fue pintor, escultor y arquitecto. CLICK EN LA IMAGEN PARA AMPLIAR

OTRA PELÍCULA: BAISE- MOI / VIRGINE DESPENTES - 2000

TEXTO Y SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

Etiquetas: NOCTURAMA A 2008

SINOPSIS: Katadreuffe es un joven que atraviesa por dificultades económicas en la Rotterdam de los años 20. Conseguirá un trabajo como ayudante en un bufete de abogados y tratará de salir adelante.

COMENTARIO: No existen relaciones más obscuras y tormentosas que las suscitadas por los vínculos paternales, estas encierran, en ocasiones, un ambiente perverso en una sinuosa relación de egoísmos y frustraciones que encumbran lo hosco del corazón del ser humano y sus sentimientos en un devenir constante entre amor y odio. Dicha dualidad alimenta las relaciones humanas, el odio al que consideramos tan normal, tiene por regla una que supera cualquier vaticinio dado: para odiar hay que sobrepasar al amor primero, el odio es una condición constante del individuo que se alimenta, como el amor, a diario. Dualidad que resulta antagonista en todo sentido, pero que suele nutrirse recíprocamente, en ocasiones los hijos suelen ser producto de relaciones que van más allá de un amor hacia el otro, son en algunas circunstancias el reflejo del odio hacia el otro, el enemigo preciso al que se le atribuye su destrucción, que mina cualquier nivel de acercamiento hacia el otro, o por el contrario suele ser el único lazo de unión entre unos y otros; este es tal vez el caso de Karakter, un hijo (Jacob Willem Katadreuffe) producto de dos seres tan opuestos en apariencia (Joba y Dreverhaven), pero con una misma convicción de mostrar al otro el amor-odio inusitado que fluye entre ambos a través de su hijo, consideración por demás necesaria si tenemos en cuenta que la relación de los dos marcara su pasado, presente y futuro. Anexo a ello Rotterdam se nos presenta como una ciudad sombría, oscura, fría, unida a las pulsaciones de los sentimientos de los personajes, dicha triada es la descripción precisa de la relación entre Madre Padre e Hijo.

Impreciso resultaría considerar el amor paterno como un acto de tiranía, máxime cuando el individuo está constantemente en construcción y reconstrucción tanto de su identidad como de su personalidad, la misma que se construye según algunos, perpetuando la imagen del padre o asesinándola para buscar a si su libertad, un acto edípico en su esplendor, pero necesario para conocerse a sí mismo.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEOCLIP: PLACEBO:SONG TO SAY GOODBYE/ Dir. PHILLIPE ANDRÉ 2006

¿Quién cuidará de nosotros?

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UN DISCO: ASTOR PIAZZOLLA: ADIOS NONINO / AZURRA 1960
Este 2008 se cumplen cuarenta y ocho años de la publicación de "Adiós Nonino", la obra más representativa de Astor Piazzolla. Compuesta en 1959, con motivo de la muerte de su padre, se convertiría en un clásico. Su autor, de prolífica obra , tiene composiciones más importantes y de mayor aliento, pero "Adiós Nonino" es y será, para siempre, sinónimo de Piazzolla. CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR DISCO

UNA LECTURA: CARTA AL PADRE / FRANZ KAFKA 1919

“Carta al padre” es una carta demasiado grande para ser carta y demasiado pequeña para ser libro, se encuentra narrada en primera persona, y en él Kafka describe de forma escueta lo más esencial de su vida; se suele equiparar el ejercicio del autor checo a una meditación de denuncia sobre la tiranía de su padre, lecturas reduccionistas desde un sicoanálisis que se pretende filosofía así lo demuestran, sin embargo el trauma y el acto confesional son en Kafka medios de un fin mucho más complejo, dice Walter Benjamin "La actitud de Kafka ante la autoridad del padre no tiene más sentido que el de la autoridad general que se desprende de la actividad eficaz. Aparentemente, la actividad eficaz elevada al rigor de un sistema fundado en la razón”, luego, el problema no puede limitarse a un conflicto filial se trata de un dilema contra el mismo espíritu de los tiempos, tiempos de los que el padre de Kafka es apenas un buen ejemplo. CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR

UNA PINTURA: EL SACRIFICIO DE ISAAC / LAURENT DE LA HIRE 1650
Laurent de la Hire fue un pintor francés muy inspirado en el manierismo (La conversión de san Pablo-1637). Hacia 1640 se decantó por un estilo más mesurado y delicado. En esta segunda época pintó lienzos para los grandes conventos de París, cuadros con paisajes idealizados en los que se refleja la influencia de Poussin: Las madres de los niños de Betel (1653, Museo de Arras). El sacrificio de Isaac no es otra cosa que la bella representación del cuadro bíblico; (Caravaggio y Rembrandt ya habían hecho las suyas) fue para grabar en la mente de Abrahán la realidad del Evangelio, así como para probar su fe, por lo que Dios le mandó sacrificar a su hijo. No obstante, nadie sino Dios pudo comprender la grandeza del sacrificio de aquel padre al acceder a que su hijo muriese. Abraham, fue el primer gran patriarca de Israel. CLICK EN LA IMAGEN PARA AMPLIAR

OTRA PELÍCULA: GRITOS Y SUSURROS / INGMAR BERGMAN 1972

TEXTO: WILLIAM ALEXANDER MEDINA / SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

Etiquetas: NOCTURAMA A 2008

“El problema de las mujeres siempre ha sido un problema de hombres.”
Simone de Beauvoir

FICHA TECNICA :Director: Roman Polanski Productor: Gene Gutowski. Producción: Compton Films. Guión: Gérard Brach y Roman Polanski y David Stone. Fotografía: Gilbert Taylor, en b/n. Montaje: Alastair McIntyre. Música: Chico Hamilton. Dirección artística: Seamus Flannery. Duración: 104 minutos. Intérpretes: Catherine Deneuve (Carol Ledoux), Ian Hendry (Michael), John Fraser (Colin), Yvonne Furneaux (Helen Ledoux), Patrick Wymark (Landlord), Renee Houston (Señorita Balch), Valerie Taylor (Madame Denise), James Villiers (John), Helen Fraser (Bridget), Hugh Futcher (Reggie), Monica Merlin (Sra. Rendlesham). País: Reino Unido, 1965 Premios: Oso de Plata/ Berlinale 1965 Calificación IMDB: 8.0 /10
SINOPSIS: Carol Ledoux es una bella aunque dispersa joven que vive con su hermana en un apartamento en Londres; una serie de acontecimientos deteriorarán irremediablemente su ya de por sí problemática psique.
COMENTARIO: No hay quien pueda asegurar con exactitud si Polanski fue en su debido momento un lector asiduo y dedicado de Andre Bazin (teórico y adalid intelectual de la necesaria Nouvelle Vague Francesa). Sin embargo al detenernos en sus tres primeras películas la influencia resulta más que evidente, la identificación de tres aspectos clave resulta entonces necesaria: en todas aparece aquel principio rector del que maestros como Truffaut, Chabrol y obviamente Godard, dieran buena cuenta, la acción que empuja a la acción, una situación que lleva a la otra y así y sin pretenderlo terminamos atrapados por un insospechado dinamismo narrativo; por otro lado estaría la presencia de una música que complemente este ritmo y ahí por fortuna vuelve a coincidir el director; el Jazz, propuesta sonora cuya evolución siempre se ha vertebrado en la improvisación, encuentra en sus primeros ejercicios cinematográficos sus debidas y acertadas resonancias. Finalmente atendemos al cariz urbano tan característico de dicho cine. Polanski tiene en Repulsión una postal de Londres al nivel de la Paris de Á bout a Souffle ( Jean Luc- Godard, 1959), por eso nos pone siempre en los zapatos del protagonista, a medida que observamos sus fotogramas, deambulamos por el estado de ánimo y temperamento no sólo de una ciudad sino y sobre todo por el de aquellos individuos que la habitan; enganchadas estas influencias vayamos ahora a aquello que hace tan original , tan importante y tan logrado a su primer momento cinematográfico: Polanski perturba; su obra se ha querido enmarcar en el género del horror y de suspenso, no obstante, la violencia y el terror de su cine no se encuentra en el exterior sino en el conjunto de patologías freudianas , en principio amarradas y en apariencia controladas, que torturan a los personajes de sus historias, ¿terror psicológico?. Tanto ímpetu y tanta pasión reprimida degeneran el punto de arranque planteado por el autor y terminan desencadenando la más insospechada situación, ¿qué va a pasar? Pregunta y fisgonea impotente el espectador. Atado de manos éste no tiene más opción que agarrarse de la silla y esperar a que sea el propio director quien le informe del incierto punto de llegada. Éste realizador de origen polaco, naturalizado francés, tiene en una obra itinerante títulos tan valiosos como Cuchillo en El Agua, Cul de Sac y el filme que verá a continuación. Repulsión rebosa de sordidez, está llena de desequilibrio, abunda en brusquedad, y deviene en alucinación, es un fresco sobre la misandria aunque también sobre el tenebroso camino hacia la pérdida total de la cordura; pregúntese ahora que sombrías motivaciones lo han traído a usted hasta aquí. Con Repulsión, Polanski reconoce su deuda con Bazin, homenajea a Buñuel y de paso empuja a Lynch.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLÍP: METRIC. “MONSTERS HOSPITAL”/Dir. MICAH MESINER 2005

Uno mas de los muchos nombres detrás del auge del Rock independiente, se formaron en 1998 y tienen como centro de operaciones a la ciudad de Toronto (Canada), han prometido el lanzamiento de su tercer disco para estos días, mientras tanto este clip que toma suficientes motivos de la película de Polanski, cuidado con tanta mano inquieta. CLICK EN LA FOTO PARA VER VIDEO

UN DISCO: THE BIRD AND THE BEE / BLUE NOTE 2007

Conformados por el dúo de Greg Kurtins e Inara George, tendencias melódicas cercanas al Jazz, canciones empalagosas pero a su vez lo suficientemente irónicas para seguir escuchándolas, banda sonora perfecta para cualquier cinta noir. CLICK EN LA CARÁTULA PARA DESCARGAR DISCO

UNA LECTURA: EL MANIFIESTO DE SCUM / VALERIE SOLANAS -1967

Un impacto de agravio – dice en su prólogo Ana Becciu – es lo que quiere producir Valérie Solanas en su Manifiesto dolorido y asqueado para la Exterminación del Hombre. Agravio no sólo verbal sino que trasciende al impulso, deseado e incontrolado, de herir a muerte, físicamente, al Hombre, encarnado en el artista Andy Warhol.Por agredir con el verbo y con la acción, al macho, la sociedad machista se venga, la excluye, la encarcela y la interna. Desarrollado en su más alto grado de la furia del animal herido, el macho revuelca a su agresora en un postrer estertor, la enfanga y la abisma en la profundidad de un vacío demencial que no la deja emerger. Por agredir con dos disparos al macho que la ha estafado, el Macho grita que Valérie es altamente peligrosa para el Sistema y pretende eliminarla matándola de agonía lenta en un asilo de locos. Algunos, tras el episodio de guerra contra el Hombre declarada por Valérie, la creen muerta; otros, desaparecida. Se la ha atado en camisa de fuerza y amordazado con el crespón de la venganza. Pero su SCUM (Society for Cutting Up Men) , el primer poema maldito capaz de enervarla y enervarnos a todos y a todas, crece y se reproduce sobre los restos disecados de todos los Hombres, como una ola gigante que arrastra fatalmente el océano de mujeres de ira. Un documento para leerse de manera detenida, critica y si se quiere desconfiada aunque si se quiere, convencida. CLICK EN LA PORTADA PARA DESCARGAR

UNA PINTURA: LA MUJER /DEBORA ARANGO 1940

Débora Arango nace el 11 de Noviembre de 1907 en Medellín, es la octava hija de una familia católica tradicional antioqueña de doce hermanos. El escándalo de su producción se debe tanto a la fealdad de su temática como a la violencia en el uso del color, que acentúa la expresión y el dramatismo,particularidad de donde surge su singular fuerza expresionista a través de los contrastes y de la exageración. En la obra de Arango convergen tres fuerzas: La memoria, los conflictos sociales y la circunstancia de ser mujer. Débora es la primera pintora colombiana en vincular el valor moral con el arte. Murió un 4 de Diciembre de 2005 en Envigado, siempre manifestó simpatía hacia nuestro actual y eterno mandatario, nadie es perfecto. CLICK EN LA IMAGEN PARA AMPLIAR

OTRA PELÍCULA: PEEPING TOM / MICHAEL POWELL 1960
TEXTO Y SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

Etiquetas: NOCTURAMA A 2008

“La gran familia indefinida y confusa de los "anormales", acechada por el miedo a finales del siglo XIX, no marca simplemente una fase de incertidumbre o un episodio un poco desdichado en la historia de la psicopatología, sino que ha sido formada en correlación con todo un conjunto de instituciones de control, toda una serie de mecanismos de vigilancia y de distribución. Mientras estuvo casi por completo contenida en la categoría de "degeneración", dio lugar a elaboraciones teóricas irrisorias, pero con efectos duramente reales.”

MICHEL FOUCAULT

FICHA TECNICA : Director: Tod Browning / Productores: Tod Browning, Irving Thalberg (sin acreditar) para MGM / Guión: Tod Robbins y, sin acreditar, Al Boasberg, Leon Gordon, Willis Goldbeck, Edgar Allan Wolf, según el relato “Espuelas” (“Spurs”) de T. Robbins / Fotografía: Merrit B. Gerstad (sin acreditar) / Música: Sin acreditar / Montaje: Basil Wrangell (sin acreditar) / Intérpretes: Wallace Ford (Phroso), Leila Hyams (Venus), Olga Baclanova (Cleopatra), Roscoe Ates (Roscoe), Henry Victor (Hercules), Harry Earles (Hans), Daisy Earles (Frieda), Rose Dione (Madame Tetrallini), Daisy y Violet Milton ( hermanas siamesas), Schlitze (Schiltze), Josephine Joseph (mitad hombre-mitad mujer), Johnny Eck (el chico sin piernas), Frances O´Connor (la chica sin brazos), Peter Robinson (el esqueleto humano), Olga Roderick (mujer barbuda), Koo Koo (Koo Koo), Prince Randian (el torso viviente), Martha Morris (la chica sin brazos), Elvira y Jennie Lee Show (microcéfalas Zip y Pip), Elizabeth Green (chica pájaro), Angelo Rossitto (Angeleno), Edward Brophy y Matt McHugh (hermanos Rollo) / Nacionalidad y año: EUA 1932 / Duración y datos técnicos: 62 min. B/N 1.37:1 Calificación IMDB: 7.8 /10

SINOPSIS: Diferentes personas, cada una de ellas con un defecto físico o psíquico, algunos con ambos, o malformaciones variadas, trabajan en un circo junto a otros artistas “normales”.

COMENTARIO: Antes de proceder con la demostración de tan inusual atracción, algunas palabras son necesarias acerca de este asombroso tema. Créalo o no...es tan extraño como parece. En épocas antiguas, cualquier cosa que fuera distinta de lo normal era considerada un presagio de mala suerte o la encarnación del mal. Dioses de la desgracia y la adversidad fueron Invariablemente representados con la forma de monstruosidades, así también, hechos de injusticia y atrocidad han sido atribuidos a muchos tiranos mutilados y deformes de Europa y de Asia.

En la historia, la religión, el folklore y la literatura abundan cuentos de deformes que han alterado el curso del mundo. Goliath, Calibán, la creación de Frankenstein, John Merrick y Tom Pouce , son apenas algunos de fama mundial. El accidente de un nacimiento anormal era considerado una desgracia y los niños con malformaciones eran dejados a la intemperie hasta morir. Si por casualidad, una de esas rarezas de la naturaleza sobrevivía, era siempre mirada con desconfianza.

La sociedad les rehuyó por su deformidad y las abrumadas familias tuvieron siempre vergüenza de la maldición puesta sobre ellas. Ocasionalmente, algunos de esos desdichados eran llevados a la corte donde eran ridiculizados para diversión de los nobles. Otros fueron dejados a su suerte, viviendo de limosnas, robando o muriendo de hambre.

El amor por la belleza es un sentimiento profundamente arraigado que se remonta al principio de la civilización. La repulsión que nos causan los anormales y los mutilados es el resultado del largo condicionamiento de nuestros antepasados. La mayoría de los monstruos tienen pensamientos y emociones normales. Su vida, no obstante, es verdaderamente trágica.

Ellos son forzados a vivir una vida anormal. Por lo tanto han establecido un código de ética para protegerse de las críticas de la gente normal. Sus reglas son rígidas, estrictas y el daño de uno es el daño de todos; la alegría de uno es la alegría de todos. La historia que será revelada está basada en los efectos de este código en sus vidas.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEOCLIP: THE CURE: NEVER ENOUGH / Dir. Tim Pope -1990
La propuesta de Robert Smith y compañia para comenzar los noventa era una muy interesante compilación de remixes titulada Mixed Up, entre las revisiones de los clasicos del grupo se adjuntaba un nuevo tema promocionado con éste estravagante video, un complemento bastante pertinente y divertido al tratado de terror moral de Browning. CLICK EN LA IMAGEN PARA VER VIDEO

UN DISCO: BUSHIDO:BUSHIDO / EMI -2004
Para finales de 2003 y durante 15 días, Enrique Bunbury se junta con tres de sus amigos, Morti, Shuarma y Carlos Ann, todos figuras sobresalientes del ambiente pop-rock ibérico, el encierro en una masía nos trajo este increíble disco, "Bushido", mismo nombre de la banda, es un sólido ejercicio de arte circense, experimentación y letras que abundan en la infelicidad, la bohemia y cierta pulsión libidinosa, el proyecto se desintegro oficialmente el mismo día que finalizó la grabación del disco. CLICK EN LA CARATULA PARA DESCARGAR

UNA LECTURA: LA VERDAD Y LAS FORMAS JURÍDICAS / MICHEL FOUCAULT 1980

Filósofo y también historiador, Michel Foucault fué sin duda durante los años sesenta una de las figuras más importantes e influyentes del ambiente cultural francés.Nunca quiso expresamente ser un historiador de los ideales ni de las ciencias en el sentido clásico de estos términos. La única denominación que admitía era la de arqueólogo, aquello que da cuenta de forma más profunda de la cultura. En La verdad y las formas jurídicas, Foucault es más claro que en otros textos en su definición del poder; habla del subpoder, de "una trama de poder microscópico, capilar", que no es el poder político ni los aparatos de Estado ni el de una clase privilegiada, sino el conjunto de pequeños poderes e instituciones situadas en un nivel más bajo. No existe un poder; en la sociedad se dan múltiples relaciones de autoridad situadas en distintos niveles, apoyándose mutuamente y manifestándose de manera sutil. Uno de los grandes problemas que se deben afrontar cuando se produzca una revolución es el que no persistan las actuales relaciones de poder. El llamado de atención de Foucault va en sentido de analizarlas a niveles microscópicos. Léelo antes de que algún simulador disfrazado de intelectual de la UT te lo tergiverse. CLICK EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR


UNA PINTURA: CALIBÁN / FRANZ MARC 1914
Calibán es el nombre de un personaje de La Tempestad , de William Shakespeare. En dicha obra, Calibán es un salvaje primitivo, esclavizado por el protagonista, Próspero, y representa los aspectos más materiales e instintivos del ser humano, frente al otro sirviente de Próspero, Ariel, que representa lo elevado y lo espiritual. Calibán es también el nombre de la interpretación pictórica que hace el artista Franz Marc, representante del movimiento expresionista alemán, Marc conjuga en su obra la brillantez del color y motivos que lo acercan además al cubismo y al futurismo, sobre Calibán el autor en su momento dijo: "Was über mich mögen sich die Menschen alles dabei denken, wenn sie sie sehen! Es quält mich, daß keines so klar ist, daß meinen Wunsch unzweideutig lesen kann, den Wunsch zur Religion, die nicht da ist; aber man kann deswegwen doch nicht das Malen aufstecken, weil man 50 oder 100 Jahre zu früh auf diesen Planeten geraten ist. Wenn man das könnte: Den Kopf unter die Decke stecken, für 100 Jahre, und dann von vorn anfangen”. CLICK EN LA IMAGEN PARA AMPLIAR

OTRA PELÍCULA: EL HOMBRE ELEFANTE / DAVID LYNCH 1980
SELECCIÓN: HEYBËR JULIÁN PERDOMO R.

Etiquetas: NOCTURAMA A 2008

“Pequeña mosca, tus juegos veraniegos mi atolondrada mano se han llevado. ¿No soy yo una mosca como tú? ¿No eres tú un hombre como yo? Pues bailo y bebo y canto hasta que alguna mano ciega se lleve mi ala. Si el pensamiento es vida, y fuerza y aliento, y el carecer de pensamiento es muerte, Soy una mosca feliz así viva o muera.”

WILLIAM BLAKE

FICHA TECNICA : Título original: The Fly Director: David Cronenberg / Productor: Stuart Cornfeld para Brookfilms / Guión: Charles Edward Pogue y David Cronenberg, basado en el relato "The Fly"de George Langelaan / Fotografía: Mark Irwin / Música: Howard Shore / Montaje: Ronald Sanders / Diseño de vestuario: Denise Cronenberg / Diseño de producción: Carol Spier / Maquillaje de la criatura: Chris Walas / Intérpretes: Jeff Goldblum (Seth Brundle), Geena Davis (Veronica Quaife), John Getz (Stathis Borans), Joy Boushel (Tawny), George Chuvalo (Marky), Michael Coperman (hombre del bar), David Cronenberg (ginecólogo), Carol Lazare (enfermera)… / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1986 / Duración y datos técnicos: 95 min. color 1.85:1.

SINOPSIS: El último descubrimiento del joven científico Seth Brundle va a revolucionar de forma radical el campo de la física: todo cuerpo puede trasladarse de un lugar a otro en décimas de segundo a través de unas cápsulas que desintegran la materia y la vuelven a reintegrar en otro lugar.

COMENTARIO : ¿Qué es lo que hace de La Mosca una película tan importante? bien podría ser aquello que la crítica de manera epidérmica consideró en el momento de su estreno: la premisa de que David Cronenberg fundamentaba su creación en dos cuestiones controversiales para entonces como la experimentación genética , por un lado , y las consecuencias de una enfermedad que ya en ese tiempo pululaba de manera desproporcionada - el SIDA- por el otro. Dicha idea, bastante evidente, no decodificaba al pleno el conjunto de reflexiones que el canadiense nos quería mostrar. Resulta innegable ahora que esos aspectos eran más que obvios ,lo que se espera es que, habiendo desarrollado ya nuestra propia visión de mosca ( es decir , procesando la información de las imágenes, extrayendo muchos detalles incluso aquellos de las áreas más oscuras de la escena), podamos ampliar nuestro horizonte a la luz de una nueva mirada. Propongo que esta celebración del cine de culto ochentero sea vista como una película sobre el hecho de envejecer mostrado como una enfermedad. Así nuestro héroe con el avance de los fotogramas pasará del vigor físico (la juventud) a la preocupación creciente por la debilitación y los cambios que desmejoran la carne (la madurez), así hasta llegar a la soledad, sentir la deformidad, vivir con la enfermedad (la senectud) así hasta la desesperación y la posterior resignación, así hasta aceptar a la inevitable muerte. Si se admite lo anterior entonces también propongo que a este héroe se le vea como a un verdadero héroe existencialista, porque según el Existencialismo: el hombre nace libre y elige continuamente su destino; todos los seres humanos estamos interesados en trascender la naturaleza humana. El camino para ello ya podría ser la religión, la ciencia, el arte o simplemente el miedo a la muerte. La única manera de vencer esto es aceptar la posibilidad de que esa libertad solo es alcanzable si podemos transformarnos, guiados por alguna de las anteriores, en otra cosa. El problema entonces es saber cuánto queda de uno mismo en dicha transformación. Uno se puede preguntar si una mariposa se acuerda de cuando era crisálida, o si nosotros llegamos a tener conciencia de nuestro periodo cigoto, ¿ Somos acaso el mismo individuo que vio esta cinta hace diez años? o ¿ con cada transformación estamos renaciendo?, para Cronenberg valen las dos: Seth al emplear su técnica está haciéndolo, se está transformando y está renaciendo; dicho principio el director lo muestra (como casi siempre), desde un punto de vista biológico, mediante una truculenta aunque dramática metáfora que caracteriza dicha renovación del alma y del intelecto como una renovación del cuerpo. Finalmente propongo que esta película sea vista como una historia de amor verdadero, pero no solo como un buen compendio de iconografía romántica (con sendas influencias de obras como por ejemplo: El Fantasma de la Ópera o la misma isma Frankenstein) sino como una historia de amor trágico. Ya que cuando un amor es sincero y duradero, no solo espera, también termina así. Le propongo al espectador que vea esta película como lo que es, como una película importante, bella a tiempo compleja , que ,aunque a algunos les cueste creer, si trasciende su carácter efectista.

COMPLEMENTOS A LA PELÍCULA

UN VIDEO-CLÍP: MASSIVE ATTACK : BUTTERFLY CAUGHT / Dir. DANIEL LÉVI 2003
Un impresionante video que conjuga con precisión una estetica corrosiva y una música lugubre y mortesina, el video sirvio de soporte al segundo sencillo del disco de 2003: 1ooth Window, obra que en su momento mereció mejor suerte en ventas y criticas. Para finales de este año tendremos nuevo disco de este imprescindible proyecto britanico.

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